jueves, 22 de julio de 2021

Alan Menken cumple 72 años



Alan Menken cumple hoy 72 años.

Disney tiene bandas sonoras inmortales en un buen puñado de sus clásicos antes de que llegara Menken a la compañía, a finales de los ochenta, y empezara a componer obras que han quedado ya para la historia del cine. 'La sirenita', en 1989, fue la apuesta de la empresa para resurgir o irse a por tabaco, y la banda sonora de Menken desempeñó un papel fundamental en ello, circunstancia refrendada en 1991 cuando se estrenó la estupenda 'La bella y la bestia', en la que el compositor demostró que era aun capaz de dar más a la hora de crear un musical, ampliando registros y construyendo una obra que era evidente se trasladaría a otros formatos, como el teatro, ante su grandeza.

Después vendrían 'Aladdin', 'Pocahontas', 'Hércules' y la 'gran' banda sonora de Menken: 'El jorobado de Notre Dame'. Se trata de una película adulta, poco apreciada por el público mayoritario, de connotaciones sexuales explícitas: la secuencia del ruego de Frollo a la Virgen María para que le aparte los pensamientos lascivos hacia Esmeralda es tenebrosa, perturbadora, imponente y musicalmente lapidaria; en otra, el baile de la zíngara supera con creces la sinuosidad de Jasmine en 'Aladdin' y embrutece el concepto melifluo de la Blancanieves original... Y así podríamos seguir ante la gran cantidad de atractivos de un filme que solo tiene como merma el abuso del ordenador, demasiado descarado en ocasiones.

Pero yo hablaba de Menken, del que me quedo con esta obra maestra que es 'El jorobado de Notre Dame'. Otra vez el estilo coral de 'La bella y la bestia' cuando surge ('Topsy Turvy'), un impresionante prólogo con el gregoriano y la acción como protagonistas o el extraordinario 'Out There', con un in crescendo narrativo impecable que se inicia con un Quasimodo humillado en su merma para avanzar en las ilusiones del protagonista sobre lo existente fuera de su campanario y acompañarlo musicalmente en su recorrido por los exteriores con la plenitud de una orquesta pletórica.

Lástima de premios de postín, casi siempre tan injustos. Sí es cierto que los Oscar, con Menken, han sido prolíficos, obteniendo ocho estatuillas en su carrera, solo superado por Alfred Newman, pero justamente en 1996 no fue de recibo que 'El jorobado de Notre Dame' se quedara solo en la nominación. Porque si hay que reivindicar la película en su totalidad, no se puede quedar atrás el análisis de la banda sonora no solo de las canciones que a muchos nos sonarán, sino también la partitura que encumbra las imágenes de una película que fue, realmente, la que cerró una etapa del resurgimiento de Disney (1989-1996) que dio paso a otro modelo de animación en la compañía que es el actualmente vigente.


miércoles, 21 de julio de 2021

Falderos y el día que nos dejó un maestro



Hay ámbitos en los que ver a la gente doblar la cerviz para babosear con sus comentarios, los 'me gusta' y esas cosas no es que te indigne. Más bien provoca risa por lo ridículo. Eso sucede mucho, por ejemplo, en la política actual, donde los falderos corren a escribir en las redes sociales para pelotear al gurú de turno. Es divertido, pero sobre todo placentero si compruebas que esa gente triste no está en tu nómina de 'amigos' de facebook porque muchos de ellos los eliminaste para desintoxicarte de la mierda.

Aparte de este comentario sin la mayor trascendencia, lo importante de hoy es que hace 17 años falleció uno de los más grandes compositores del siglo XX y alguien que, como pocos, transformó la música cinematográfica en un discurso narrativo de primer orden lejos de aderezar imágenes con notas musicales como complemento secundario. El 21 de julio de 2004 nos dejaba el gran Jerry Goldsmith, que solo ganó el Oscar por 'La profecía'. Una de sus obras maestras es 'Acorralado', como os conté en un videorreportaje en el canal #UltimoEstreno hace ya tiempo, cuyo enlace os dejo a continuación por si queréis repasarlo o verlo por vez primera:

martes, 20 de julio de 2021

Gerardo Garrido: “Del personaje de Quique en Verano Azul aprendí todo lo que no se debe hacer en la vida, en la que no hay que callar como hacía él"



Gerardo Garrido, quien fuera el popular Quique en la serie televisiva 'VeranoAzul', se ha puesto tras las cámaras para dirigir un documental titulado ‘Futuro azul’, en el que reflexiona sobre la evolución -o involución- que la sociedad actual ha mostrado durante los últimos cuarenta años, desde que se estrenara la citada serie dirigida por Antonio Mercero hasta la actualidad.

Expertos en sociología, ecologismo, economía, etc. y antiguos compañeros de Garrido que participaron en 'Verano Azul' desfilan por la pantalla expresando sus reflexiones al respecto. El documental ya está finalizado y a la espera ahora de ser estrenado en alguna de las plataformas televisivas.

Gerardo Garrido nos habla en 'Último Estreno' y en exclusiva, durante más de una hora, de su experiencia no solo durante el rodaje de ‘Futuro azul’, sino también de su trayectoria profesional, su pasión por la fotografía y lo que supuso encarnar a un personaje, Quique, del que asegura “aprendí todo lo que no se debe ser en la vida, en la que no hay que tener miedo como tenía él, en la que no hay que callarse como se callaba él. Si practicas aquel tipo de bondad, al final no vivirás tu vida sino la de los demás”.

Así mismo, Garrido -en referencia a ‘Futuro Azul’- hace especial hincapié en la necesidad de concienciar sobre “siete ámbitos fundamentales para que el mundo sea mejor”, admitiendo que su documental -el primero de otros que ya está preparando- es “un espejo” en el que la sociedad debe mirarse para alertar sobre la actuación situación social y económica que padecemos. El director afirma que, a pesar de ello, ‘Futuro Azul’ “abre una puerta a la esperanza con un mensaje positivo para que entre todos busquemos la solución”. 

En este trabajo participan, exponiendo sus reflexiones, sus compañeros de serie Juanjo Artero (Javi), Miguel Joven (Tito) y Ayo Ortega entre otros, y cuenta con la especial participación de Iñaki Mercero, cineasta e hijo del director de VERANO AZUL, Antonio Mercero.

viernes, 16 de julio de 2021

Fernando del Paso: "El Molino de Nerja seguirá teniendo la esencia y el encanto de Verano Azul y del flamenco"



El popular Bar El Molino de Nerja no es solo un templo del flamenco en Nerja y uno de los lugares más pintorescos de la hostelería nerjeña. Para los millones de seguidores de VERANO AZUL es la famosa Tasca de Frasco, la taberna donde Chanquete hacía sus recesos para compartir los chatos de vino y las partidas de dominó con otros lobos de mar.

En el mes de mayo se anunció el cierre de este local y la conmoción fue muy grande. Parecía perderse un sitio que durante décadas había sido cita obligada de flamenco en Nerja y además una de las localizaciones de VERANO AZUL que se conservaban casi tal cual cuarenta años después del rodaje y estreno de la serie. Tras distintas conversaciones, El Molino-La Tasca de Frasco cuenta con nueva gerencia. El artista y empresario Fernando del Paso se ha hecho cargo del local y ha sido tajante en la entrevista concedida al canal #UltimoEstreno: "El Molino seguirá teniendo la esencia y el encanto de Verano Azul y el flamenco".

En esta larga conversación nos cuenta anécdotas del bar, cómo no pasa el día que no acudan familias al local preguntando por la serie televisiva y la activa presencia que El Molino-La Tasca de Frasco tendrá en los actos del 40 aniversario del estreno de la serie, previsto a partir de septiembre.
Hasta un sueco ha querido no solo arrendar, sino comprar la finca entera ubicada en la céntrica calle San José en estos dos meses, con lo que quizá hubiera supuesto a la hora de perder una de las localizaciones más recordadas de VERANO AZUL, donde el personaje encarnado por Valentín Paredes en el capítulo 'La navaja' siempre será recordado o la famosa expresión de Miguel Joven Braun 'Tito': "¡Chupa del carrasco, Frasco!".

miércoles, 7 de julio de 2021

Richard Donner (1930-2021)



Sucede que hay directores de cine que son ellos y nuestras circunstancias. Es decir, que cuando los recordamos se acumulan en la memoria no solo los títulos de las películas que han rodado, sino también todo lo que a nosotros nos rodeaba cuando se estrenaron porque llegaron a nuestra vida en unos momentos en los que crecíamos viendo cine. De siempre estaban John Ford, Frank Capra, Curtiz… Sí, ellos fueron los maestros, pero para la generación que empezó a vivir el cambio de la infancia a la adolescencia en los emblemáticos años setenta y ochenta y el cine ya empezaba a formar parte de nuestras vidas, existían por un lado las obras maestras clásicas de una época dorada y por otro las pelis que íbamos a ver contemporáneas, de las que sabíamos que sus directores harían otras más y también iríamos a verlas, los actores los veíamos en la tele tal y como aparecen en ellas y salían los discos con las bandas sonoras de aquellos John Williams, Dave Grusin o Bruce Broughton que tenían algo más de cuarenta años. Toda una vida aun por componer puñados de obras maestras. Por eso, cuando hablamos de Richard Donner no solo lo hacemos de Superman, sino del cine en el que la vimos, de los padres con sus niños diciendo en su apabullante inicio aquello de “¡qué largo es lo de las letras, a ver si empieza la película!”. Cuando hablamos de Donner no solo lo hacemos de ‘Los Goonies’, sino de con quién fuimos a verla, con aquellos amigos de la pubertad, con las amigas para que captaran la indirecta pandillera besos incluidos. Cuando hablamos de Donner nos lleva al terror creado por la música de Golsmith y cuántas veces la oímos y la utilizamos para grabaciones de adolescentes. Cuando hablamos de Donner lo hacemos de ‘Lady Halcón’ y de la carrera de Alan Parsons, ‘alma mater’ de su peculiarísima banda sonora aunque esté firmada por Andrew Powell, que por aquellos ochenta barría con su rock progresivo y nos marcó a muchos hasta hoy día. Y así podríamos seguir. Es seguro que, para quienes ya están jubilados por decir algo para determinar su edad, Richard Donner sea ese que hizo pelis que tuvieron que ver porque sus hijos no paraban de pedirles que les llevaran al cine, y para la actual generación veinteañera, el nombre del cineasta no les diga nada porque no saben ni quiénes eran los goonies. Pero para muchos, millones de amantes del cine de una generación que tuvo la dicha de ver en pantalla grande aquellos estrenos de los ochenta y noventa, Donner es un director de cabecera porque son sus películas y nuestras circunstancias. Películas que, además, junto con las de los clásicos, nos moldearon nuestros ojos y nuestra visión cinematográfica para aprender a amar el cine y tener el concepto actual de lo que es una cojonuda película y lo que no lo es. Y eso se lo debemos, entre otros como Spielberg o Scorsese, a Donner. Te lo cuento en este video homenaje al director, fallecido hace varios días, que está a vuestra disposición en el canal #UltimoEstreno de Youtube.

domingo, 4 de julio de 2021

'Mi legado nazi', película documental para reflexionar en tiempos de radicalismos y odio


 

El comentario que publicó el amigo Conrado Xalabarder hace varios días en Facebook sobre la película documental 'Mi legado nazi' ('What Our Fathers Did') me ha animado a ver esta producción del año 2015 disponible en Filmin.

Para los que nos desazona desde siempre el surgimiento y el auge del nazismo y las consecuencias que ello provocó en la Europa del siglo XX, visionarla es obligatorio, aunque a decir verdad, debería serlo para todos.

El escritor y abogado judío Philippe Sands reúne en determinados lugares estratégicos de la barbarie nazi -el guetto de Cracovia, una sinagoga calcinada, una carretera donde 3.500 judíos fueron tiroteados para caer en una fosa y cuyos cuerpos aun se encuentran bajo tierra- a dos hijos de jerarcas nazis que fueron partícipes directos de aquellas matanzas. El documental invita a ambos a mirarse al espejo a través de sus progenitores para trasladar al espectador los sentimientos que guardan en su interior dos ancianos con visiones diferentes. Mientras que uno de ellos se resiste a incluir a su padre en las responsabilidades directas de tanta barbarie, el otro muestra un profundo desprecio por el suyo y conmina a su colega a admitir lo que sucedió con la anuencia de ambos ascendientes.

‘Mi legado nazi’ penetra y escuece, porque es duro ver a dos hijos hablar así de sus padres, pero una visión más allá nos sigue perturbando o debería hacerlo. La visión que nos proporcionó Maximilian Schell en su papel de abogado defensor en ‘Vencedores o vencidos’ cuando, en su alegato final, dijo una lapidaria frase: “La culpa de Alemania es la culpa del mundo”. Aquí, la culpa de dos hijos es, por extensión, la del mundo que permitió el holocausto y lo más preocupante aun: los honores que uno de ellos recibe cuando los tres protagonistas de la película visitan una concentración en Ucrania de la que no quiero desvelar más detalles.

En esta videocrítica que os dejo en el canal #UltimoEstreno de Youtube os cuento mis impresiones sobre 'Mi legado nazi' y os aliento a ver este documental en unos tiempos en los que es necesario reflexionar sobre el peligroso regreso de las posturas radicales y los mensajes de odio.

miércoles, 30 de junio de 2021

'Luca', la forma del agua de Disney



He agradecido mucho que Pixar abandone ese pretencioso y confuso mundo de vivos y muertos con los que nos dio el coñazo con 'Coco' o 'Soul' y haya optado por volver a la frescura, a la luminosidad y a las historias que, como sucede en la mayoría de las obras maestras del cine, son sencillas y la clave radica en la manera de contarlas.

'Luca' es luminosa, un soplo de aire fresco en estos momentos, un delicioso Disney ¿menor? con un fuerte simbolismo en los objetos que sirven de puerta para que el pequeño monstruo marino se sienta atraído por la vida terrenal. Porque Luca encuentra un reloj, un naipe, una llave inglesa y una gramola: el tiempo, el destino, el trabajo y el ocio-cultura. La vida humana condensada magistralmente en un macguffin de objetos.
'Luca' tiene chicha: su simbología, el divertimento de encontrar los objetos con los que se homenajea al cine italiano y las coincidencias con películas como 'La forma del agua', de Guillermo del Toro. Y no solo porque estemos hablando de monstruos marinos.
En la imagen tenéis la videocrítica subida al canal #UltimoEstreno de Youtube, espero que la disfrutéis

martes, 29 de junio de 2021

110 años del nacimiento del cineasta Bernard Herrmann



Hoy se cumplen 110 años del nacimiento de uno de los más grandes nombres del cine: Bernard Herrmann.

Tipo malhumorado y más antipático que el gato del doctor No, sin su música Hitchcock no hubiera alcanzado las cotas maestras de algunas de sus películas más grandes. Ambos caracteres chocaron hasta la disolución del tándem en la última etapa del director, perdiendo tanto uno como otro.

Cuentan que un profesor, bastante corto de miras, le dijo al 'niño' Herrmann en sus primeros años de aprendizaje musical que no servía para esto de la música, a lo que Bernie, con su habitual forma de ser, le partió el violín en la cabeza a su maestro y se fue tan tranquilo a su casa. Con los años, ya sabemos: vinieron 'Ciudadano Kane', 'Vértigo', 'Con la muerte en los talones', 'Jason y los argonautas', 'Psicosis'...

En este último caso estamos ante una de las obras maestras músico-cinematográficas más perfectas, no sin antes no haber tenido su rifirrafe con Hitchcock, que no quería música en la película. De hecho, el director pensaba colocar, en la famosa secuencia de la ducha, el sonido de un cuchillo entrando en una sandía, que se supone es el mismo que oímos al clavar este objeto en la carne humana. Herrmann le dijo que al menos escuchara su opinión y sus temas, y finalmente la película se quedó con su banda sonora, una de las más grandes y redondas porque se ha convertido en el ejemplo de score perfecto como tal: los violines por agudos en la ducha, que nos trasladan inconscientemente a los pájaros embalsamados de Norman, revelándonos quién está asesinando; la extensa secuencia anterior de Marion en el coche, con el ritmo trepidante marcándonos la huida; el asesinato de Arbogast...

Una puñetera obra maestra que hoy no hay quien sea capaz de componer, porque no solo estamos hablando de un elemento perturbador y ni mucho menos secundario para generar inquietud, sino de un protagonista narrativo de primera fila que hilvana y nos revela lo que vemos y lo que no.

En este vídeo del canal #UltimoEstreno de Youtube publicado en enero de 2020 dedico unos minutos a recordar sublimes momentos de 'Psicosis' gracias a la banda sonora de Herrmann, coprotagonizándolo con la interesantísima música que Isidro B. Maiztegui compuso para 'Muerte de un ciclista'. No os lo perdáis.

lunes, 21 de junio de 2021

Participación en la Feria del Libro Virtual de Estados Unidos homenajeando a Ennio Morricone


El domingo 20 de junio tuve el placer de ser invitado por la Virtual Book Fair USA (Feria del Libro Virtual de Estados Unidos) para, en una de sus sesiones, hablar sobre el legado que nos dejó, hace ahora prácticamente un año, el compositor Ennio Morricone.

Agradezco a la escritora y embajadora en España de este evento cultural, Ania Granjo, su invitación a conversar, durante una hora, sobre la obra del maestro romano, una de las figuras más aclamadas de la música cinematográfica y con el que tuve la ocasión de conversar en Sevilla antes de su último concierto en la capital andaluza, en el año 1999.

Dado que la filmografía-discografía de Morricone es francamente extensa -compuso más de quinientas bandas sonoras a lo largo de su vida- analizamos sus características a través de cuatro de sus obras siguiendo criterios de internacionalidad. Así, seleccioné 'Cinema Paradiso' como representante del cine italiano, 'Érase una vez en América' para condensar el trabajo de Morricone para el cine estadounidense, 'La misión' representando a Gran Bretaña y finalmente 'Átame' de Pedro Almodóvar por España. Todas fueron por supuesto 'señuelos' para extendernos más allá de solo cuatro títulos, lo que también el tiempo nos permitió.

Os invito a ver el programa, en el que Ania Granjo interviene en los minutos iniciales para introducir a la figura del maestro con reseña a su hijo, el también compositor Andrea Morricone (el texto que lee la escritora es mayoritariamente de mi autoría) y posteriormente mantenemos un intercambio de ideas sobre quien es, para muchos, el mejor compositor de bandas sonoras de la historia del cine.

sábado, 19 de junio de 2021

Videorreportaje sobre la película documental 'Arcadeología' y entrevista a su director, Mario-Paul Martínez (estreno el 30 de julio en cines)



Este sábado, a las 13:00 horas, hemos estrenado en el canal #UltimoEstreno de Youtube el videorreportaje dedicado a la película documental Arcadeología, dirigida por Mario-Paul Martínez, a quien entrevisto para que nos cuente todo sobre esta producción que estará en los cines de España a partir del 30 de julio.

"Las arcades son como el cine primigenio. Tienen algo que enganchan, por la potencia y lo concentrado de la imagen. No podemos olvidar que también se hicieron para ganar dinero, tenían que ser difíciles para que echáramos monedas".

"Hay arcades en los lugares más locos y hemos ido a sitios muy locos, almacenes llenos de polvo... Una Berzerk que tenía dentro tela de malla de gallinero, plumas, había sido utilizada para criar gallinas que ponían huevos dentro de ella".

"Hemos metido la cámara dentro de las propias máquinas, recorriendo sus circuitos, sus pantallas... cosas que jamás se han visto y visionarlo en una pantalla de cine es alucinante".

miércoles, 16 de junio de 2021

Entrevista en la Feria del Libro Virtual de Estados Unidos sobre Ennio Morricone



Tengo el placer de anunciaros, y por supuesto invitaros, a mi participación en la Feria Virtual del Libro de Estados Unidos en la que estaré el próximo domingo día 20 de junio, a partir de las 18:15 h. (hora española) en directo a través del enlace de Facebook que os dejo a continuación.

Durante aproximadamente una hora, la escritora Ania Granjo me entrevistará y hablaremos de la figura del compositor Ennio Morricone, centrándonos especialmente en cuatro de sus bandas sonoras que de alguna manera reflejan la internacionalidad y la versatilidad del maestro italiano a la hora de componer para el cine.

Solo tenéis que entrar en el enlace a las 18:15 horas, no es necesaria inscripción previa ni trámite alguno. Espero que disfrutéis y agradezco de corazón a la maravillosa Ania que haya contado conmigo para este importante evento a nivel mundial y a la propia Virtual Book Fair por su confianza.

¡Os espero a todos! #UltimoEstreno

Enlace: fb.com/VirtualBookFairUSA/

lunes, 14 de junio de 2021

Ned Beatty



Ha muerto Ned Beatty. Es muy probable que muchos solo lo recuerden haciendo de Otis, el grotesco personaje secundario de espíritu disneyano que acompañaba a Lex Luthor (Gene Hackman) en dos de las películas de la saga de Superman, pero Beatty era mucho más que ese divertimento y estuvo impecable en películas como 'Network' o 'Todos los hombres del presidente'.

Secundario de lujo, actor de teatro, fue nominado al Oscar precisamente por 'Network', que en España le pusimos la absurda coletilla de 'Un mundo implacable' con un elenco actoral extraordinario en el que Faye Dunaway y William Holden están magistrales a pesar de la teatralidad de sus interpretaciones, que para eso dirigía Sidney Lumet.

El año de 'Network' fue el mismo de 'Todos los hombres del presidente', es decir, teníamos en la ceremonia dos películas que destapaban las vergüenzas de los principales poderes actuales sobre el ser humano: los medios de comunicación y la política. Hoy se hacen mierdas sobre una tía que caga en una furgona.

"Es el sistema monetario internacional el que determina la vida de este planeta (...) Usted aparece en su pequeña pantalla de 21 pulgadas y grita sobre Estados Unidos y la democracia. No hay Estados Unidos, no hay democracia. Solo existen IBM, ITT, AT&T, Dupont, Dow, Union Carbide y Exxon".

domingo, 13 de junio de 2021

Más sobre las transiciones cinematográficas tras estar 'castigado' 72 horas



Hace tres días que Facebook y NBC Universal me castigaron sin publicar nada durante 72 horas por subir 35 segundos de una secuencia de la película 'El mundo perdido'. Soy una persona activa en redes, entre otras cosas porque forman parte de mi profesión y además son un vehículo para difundir mis canales de información cinematográfica tras casi tres décadas haciéndolo por la radio, la prensa escrita y blablabla, todo lo que ya sabéis.
No soy un obseso del Facebook, ni me sirve para creerme salvador ecuménico de problemas, ni lo uso para endiosarme ni crear de mí mismo una figura aclamada como veo a muchos-as, porque más de la mitad de las cosas que cuentan son fantasmadas para que la gente engañada de grupitos les doren la píldora. Yo ya me llevé muchos años en los que el teléfono echaba humo durante mi programa, he pateado festivales y dado charlas de cine y no necesito a estas alturas sentirme ufano de gloria, que no es lo mismo que continuar en el tajo divulgando, organizando y, por supuesto, aprendiendo.
A lo que iba. Que Facebook y la Universal dicen que infrinjo derechos de autor, que soy un pirata por culpa de 35 segundos. Mientras que en esta mierda de red social muchos suben frases de Paulo Coelho que no ha dicho en su puñetera vida, no dan ni una ortográficamente hablando, enlazan noticias falsas y las grandes compañías nos espían impunemente, yo soy castigado por hacer partícipe a quienes me siguen de lo que significan las transiciones en el cine, cómo Spielberg las hace cojonudamente bien aun en sus peores películas y aconsejar que las vean para aprender de qué va esto de las técnicas cinematográficas. Pero eso molesta porque soy un pirata. No hay distinción entre compartir conocimientos y que algun listo suba dos horas y pico de una película para que el personal la vea sin pasar por taquilla. Lo mismo es explicar con un ejemplo cómo superar el espacio-tiempo en el cine que lucrarme de las ganancias de 'El mundo perdido', de una película además amortizada hace años y por la que la Universal está podrida de dinero. Quien le molesta es el desgraciado que trata de ilusionar a la gente mostrándoles la magia de pasar de un lugar a otro en cuestión de segundos que es en realidad la magia del cine. Eso, en 35 segundos, es pirateo. Y es hacer pensar, enseñar, mostrar para que todos sepamos más y también debatir, porqué no, en lo que pueda equivocarme. Pero, insisto, eso es poner a funcionar las células grises, que es lo que precisamente no quieren que hagamos para seguir controlando y que nos creamos que tenemos democracia y libertad por suponer que podemos escribir lo que queramos en la mierda de redes sociales y además que vamos a solucionar que nos roben los políticos, los empresarios capullos, la violencia de género, las injusticias sociales...
Regreso tras 72 horas de castigo por ser un pirata y esta crueldad que no me ha dejado dormir (😆😆) la arreglo explicando en un nuevo videorreportaje en el canal #UltimoEstreno qué son las transiciones en el cine con las mismas imágenes y más detallado, con otros ejemplos. Al final, voy a tener que agradecerles que me hagan superarme y en lugar de comentarios al uso haga vídeos de todo.
Os invito a verlo para que coincidáis conmigo que, hasta la peor película de grandes cineastas como Spielberg, Coppola, Scorsese, etc. tienen momentos y técnicas empleadas por las que merece la pena visionarlas.

jueves, 10 de junio de 2021

'¡Viva Rusia!'


La enigmática caja que el gran Luis García Berlanga entregó al Instituto Cervantes en 2008 para que se desvelara su contenido en junio de 2021 acaba de abrirse. En su interior, el genial cineasta había depositado el guión de '¡Viva Rusia!', la que iba a ser la cuarta parte de la serie iniciada por 'La escopeta nacional'.
Me muero de ganas de leerlo y contarlo en #UltimoEstreno, pero ahora, y tras mostrarse en estos próximos días en la exposición 'Berlanguiano' en Madrid, el principal objetivo es que todos conozcamos el contenido de este guión al detalle, qué podría haber seguido aportando el maestro y si alguien es capaz de llevarlo al cine actualmente en el caso de que sea posible.




martes, 8 de junio de 2021

Las transiciones de Spielberg. 'El mundo perdido'



Steven Spielberg es un tipo al que, perdonándole su compulsiva obsesión por reflejar sus traumas infantiles en los insoportables niños de sus películas, siempre hay que prestarle atención y ver lo que dirige. Hasta mierdas alimenticias como 'El mundo perdido' tiene momentos sublimes, porque cuando en el cine se manejan las transiciones como lo hace él se demuestra que hay mucho talento en su cabeza.

La transición del humo de la vela con el de la locomotora del inicio de 'La lista de Schindler' es más conocida y además estamos hablando de una enorme película, pero hay truños como la segunda de lo del jurásico que solo por algunos momentos merece la pena aguantarla entera.
Y así, tenemos nada más comenzar a la familia pija que hace la paradita con su yate en la isla. La niña se aleja para jugar hasta encontrar a un pequeño bichito que en segundos se convierte en una buena patulea y, al grito de la pequeña, acuden los padres y la tripulación. Spielberg nos pone a la madre ante la cámara pegando un grito aterrador ante lo que ve y el siguiente plano da inicio a una nueva secuencia: ahí está el tío, Jeff Goldblum, bostezando con palmeritas al fondo en una estación subterránea y el chillido de la señora convertido en el chirriar del metro.
Un grandioso
divertimento
spielbergiano
de unos segundos en los que seguramente Michael Kahn estaría preguntándose en voz baja en qué película lo habría visto Spielberg cuando aun tenía barrillos. #UltimoEstreno

domingo, 6 de junio de 2021

'Berta' en Argentina


 

'Berta' es, con diferencia, lo mejor que ha escrito mi padre. Llama al engaño su sinopsis, porque se trata, en mayor o menor medida, de una historia plasmada sobre los escenarios o en pantalla por autores de renombre.

El ocaso de una actriz que se niega a admitir el punto de no retorno en el que se encuentra al alcanzar su madurez ha sido un tema al que han recurrido maestros de la escena y del celuloide. Me van a disculpar pero mi mente se retrotrae a la pantalla en blanco más que a las tablas y entonces es cuando surgen las indefectibles concomitancias que van desde 'El crepúsculo de los dioses' a 'La verité' que dio vida Catherine Deneuve.
Decía que 'Berta' puede no parece original, pero es una obra madura, lo mejor que ha dado de sí hasta el momento un escritor de sublime pluma narrativa-descriptiva ('El pan de mis hijos' y su rabioso estilo azoriniano) que necesitaba volar sin límites para corroborar su calidad.
'Berta' es un drama humano y ecuménico, no entiende de las fronteras que se quedan pequeñas para un drama universal y para el talento. Por eso es una enorme alegría que traspase los determinismos geográficos que el autor ya ha dejado atrás con sus dos últimas obras. Argentina será el país en el que se podrá disfrutar de esta obra teatral, áspera y necesaria por ser no solo la justificación vehicular de una sombra en decadencia, sino de un motivo que la distingue de aquel puñado de obras maestras clásicas que nos vendrán a la mente. Y es que 'Berta' no se anda con remilgos para, además de inocular compasión en el espectador, provocar la firme necesidad de valorar a la mujer. Hay mujer-artista y a la vez mujer-humana que grita contra el dominio irracional, animal, del hombre. "Todavía no sé cómo pude tenerte dentro de mí". Lo dice Berta, no Gloria Swanson.


La obra de teatro 'Berta' de la compañía isleña 'Juana La Loca' llega al Festival Internacional de Argentina

EUROPA PRESS

La compañía de teatro de San Fernando (Cádiz) 'Juana La Loca', compuesta por tres hermanos --Angie, directora; Rocío, responsable de comunicación; y Jesús Cortejosa, técnico--, además de Marga Guillén, responsable de los cursos teatrales con alumnos de colegios, tendrá el próximo sábado 19 de junio un destacado papel en el Festival Internacional de Teatro de Género 'Mujeres a escena' de Argentina, en el que representarán, de manera telemática, la obra 'Berta'.
La obra de teatro 'Berta' de la compañía isleña 'Juana La Loca' llega al Festival Internacional de Argentina
En declaraciones a Europa Press, Rocío Cortejosa ha explicado que 'Berta', obra del escritor José Carlos Fernández Moreno, "trata sobre una actriz en decadencia que, durante la representación, hace un repaso por su vida, en la que llegó a tenerlo todo y que vive un momento insoportable" La obra se llevará a cabo, sin público, en el Palacio de Congresos de San Fernando, tras la adaptación llevada a cabo por el Ayuntamiento isleño y ante la imposibilidad de acogerla en el Teatro de Las Cortes, cerrado, y en la Casa de la Cultura, con actividades programadas para la fecha. En este sentido, la responsable de comunicación ha agradecido "al Ayuntamiento la predisposición por ayudar a la compañía y la voluntad para adaptar, de manera excepcional y única, un espacio en el que no se desarrollan obras de teatro". 'Berta' tendrá lugar, por tanto, en la fecha prevista a partir de las 21,30 horas, turno asignado por la organización del festival para la única representación española de esta edición.

Además, la obra 'Berta' será representada, también, en el Teatro Moderno de Chiclana el próximo 25 de junio a partir de las 20,00 horas. La obra, asimismo, ha sido calificada por la crítica como una "propuesta imponente, cercana, con carisma, atractiva a nivel visual" y que "eriza la piel". En otro orden de cosas, Rocío Cortejosa ha manifestado que, desde la pandemia, la compañía "se ha centrado en los cursos de formación" porque "se cerraron las puertas con el alumnado y los ingresos se redujeron a cero". "La tecnología ha sido muy importante, pero el ingrediente principal ha sido la actitud positiva que, además de formación y dotes, es indispensable", ha afirmado. De esta forma, ha reconocido que "se aprovechó el parón de los actores y los directores para contactar con ellos y, cuando veían la trayectoria y el perfil de la compañía, accedían a impartir cursos de formación". Por ello, ha anunciado que "el 10 y el 11 de junio estará en San Fernando Víctor Palmero, de 'La que se avecina', para un curso de formación con grabación de escena, por lo que es recomendable que las personas interesadas tengan interés en el teatro y sean iniciados en la materia".

viernes, 4 de junio de 2021

Roger Waters, quien fuera líder de Pink Floyd, anuncia la publicación de sus memorias atacando a Dave Gilmour con la reedición del disco 'Animals'



Que Pink Floyd es irreconciliable es algo que sabemos desde los años ochenta, por mucho que a sus seguidores nos hubiera entusiasmado que sus componentes hubieran enterrado el hacha de guerra. Pero se trata de una formación tan grande que ser su 'piedra angular humana' será motivo de disputa mientras sus dos líderes, Roger Waters y Dave Gilmour, sigan con vida.

El primero de ellos ha atacado con virulencia hace varios días al segundo aprovechando la esperada reedición del disco 'Animals', publicado en 1977. Sí, ese que todos recordamos del cerdo volador gigante y la portada con las chimeneas de una antigua fábrica. Según Waters, Gilmour se opone a unas 'matizaciones' de esta remasterización, y dado que asegura que Gilmour no le deja escribir en la página web oficial de Pink Floyd (recuérdese que perdió el sonado juicio que en su día ganó Gilmour, que es quien puede utilizar el nombre del grupo), pues ni corto ni perezoso ha grabado un vídeo en su web con un lote de perlas que Waters asegura son un preludio de sus memorias de próxima aparición. Una historia que se convertirá en una bomba megatónica a tenor de lo que anuncia. Porque Waters aprovecha para rajar de Gilmour, "que no tiene ni puta idea" refiriéndose a la composición del sagrado tema 'Money', pero que el guitarrista "lo que quiere es aumentar sus ganancias" y mete a la mujer de éste, Polly Samson, en el fregado.

En www.arrozamargo.com os subo el texto que expone Roger Waters en su vídeo. En toda esta historia tan triste, que jamás acabará, hay algo de luz, al menos en lo referido al conocimiento que adquirimos sobre detalles de aquellos discos sublimes de Pink Floyd. Y así, el bajista de la banda explica porqué se eligió la fábrica de la portada de 'Animals', otros hinchables previstos además del cerdo Algie, que era su nombre, y detalles hasta ahora desconocidos.

"Sí, era y es un buen guitarrista y cantante. Pero, durante los últimos 35 años ha contado un montón de chorradas sobre quién hizo qué en Pink Floyd cuando todavía estaba al mando. Hay un montón de "hicimos esto" y "hicimos aquello", y "yo hice esto" y "yo hice aquello". (Roger Wates sobre Dave Gilmour).

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Una nota de Roger Waters a los fans de Pink Floyd:

Como Dave Gilmour me ha prohibido publicar en la página de Facebook de Pink Floyd con sus 30.000.000 de suscriptores, estoy publicando este anuncio hoy aquí y en su totalidad en rogerwaters.com.

En primer lugar, una cálida bienvenida a nuestra pequeña banda de hermanos y hermanas que siempre han mantenido una mente abierta, esperemos que algunos de los fans cuyo acceso a mis palabras es suprimido por Gilmour encuentren su camino aquí y descubran algo de verdad.

Lo que precipitó esta nota es que hay nuevas mezclas de James Guthrie en estéreo y 5.1 del álbum de Pink Floyd Animals, 1977. Estas mezclas han languidecido sin publicarse debido a una disputa sobre algunas notas que Mark Blake ha escrito para este nuevo lanzamiento. Gilmour ha vetado la publicación del álbum a menos que se eliminen estas notas de presentación. No discute la veracidad de la historia descrita en las notas de Mark, pero quiere que esa historia permanezca en secreto. Esta es una pequeña parte de una campaña en curso por el campo de Gilmour/Samson para reclamar más crédito para Dave en el trabajo que hizo en Pink Floyd, 1967-1985, de lo que es debido. Sí, era y es un buen guitarrista y cantante. Pero, durante los últimos 35 años ha contado un montón de chorradas sobre quién hizo qué en Pink Floyd cuando todavía estaba al mando. Hay un montón de "hicimos esto" y "hicimos aquello", y "yo hice esto" y "yo hice aquello". Así que, dos cosas: 

(1). Estoy de acuerdo con el lanzamiento de la nueva remezcla de Animals, con las notas de la manga eliminadas. Buen trabajo James Guthrie por cierto, y lo siento Mark Blake. El borrador final de las notas de la carátula fue revisado y acordado como factualmente correcto por mí, Nick y Gilmour. Aquí están, disfrútenlas, no hay nada controvertido, sólo unos simples hechos.

Mark Blake: Liner Notes

Pink Floyd: Animals

A pesar de haber sido grabado en Londres durante la larga ola de calor del verano de 1976, Animals de Pink Floyd sigue siendo un álbum oscuro. Su crítica al capitalismo y a la avaricia captó el estado de ánimo imperante en Gran Bretaña: una época de conflictos industriales, agitación económica, los problemas en Irlanda del Norte y los disturbios raciales de Notting Hill. El álbum se publicó el 23 de enero de 1977, pero las raíces del décimo álbum de estudio de Pink Floyd se remontan a principios de la década. Tras el éxito de The Dark Side Of The Moon de 1973, Pink Floyd se planteó su siguiente paso. Durante una sesión de improvisación de dos a tres semanas a principios de 1974, la banda trabajó en ideas para tres nuevas composiciones. A partir de estas sesiones, la banda desarrolló Shine On You Crazy Diamond, (un apasionado homenaje a Syd Barrett, con letra de Roger Waters. Añadido por mí, lo siento, no pude evitarlo), que se convirtió en la pieza central del siguiente álbum de Floyd, Wish You Were Here, y Raving And Drooling (compuesta por Roger Waters) y You Gotta Be Crazy escrita por Waters y David Gilmour.

Raving And Drooling era una historia de desorden social violento, mientras que You Gotta Be Crazy contaba la historia de un hombre de negocios sin alma que araña y engaña para llegar a la cima. Ambas fueron interpretadas en directo por primera vez en la gira de invierno de Floyd de 1974. Ambas fueron consideradas para el álbum Wish You Were Here, pero Roger insistió en que ninguna de las dos canciones era relevante para la idea general, que "Wish You Were Here" era esencialmente sobre la ausencia, y como ninguna de las dos canciones encajaba en su concepción del tema general del disco, ninguna de ellas debía ser incluida. La banda finalmente estuvo de acuerdo. Avanzamos dos años, y Roger tuvo una idea para el siguiente álbum de Pink Floyd. Tomó prestada la historia alegórica de George Orwell, Rebelión en la Granja, en la que los cerdos y otros animales de corral eran reimaginados antropomórficamente. Waters retrata a la raza humana como tres subespecies atrapadas en un ciclo violento y vicioso, con ovejas al servicio de cerdos despóticos y perros autoritarios. You Gotta be Crazy y Raving And Drooling encajaban perfectamente en su nuevo concepto. Mientras tanto, un año antes, el grupo había comprado un conjunto de edificios de iglesia en desuso en Britannia Row, Islington, que habían convertido en un estudio y almacén. Antes de esto, todos los lanzamientos de estudio de Pink Floyd se habían grabado parcial o totalmente en los estudios Abbey Road. Pink Floyd también había encontrado un nuevo ingeniero de grabación. Brian Humphries, un ingeniero de los estudios Pye, al que habían conocido mientras grababan la banda sonora de "More", una película dirigida por Barbet Schroeder. Brian había sido el ingeniero de Wish You Were Here en Abbey Road, y también les ayudó en la carretera, por lo que le conocían muy bien. El uso de su propio estudio supuso un cambio significativo en sus métodos de trabajo. Hubo contratiempos y problemas iniciales, pero también una gran sensación de libertad. 

Seguir los instintos de Roger sobre las nuevas canciones dio sus frutos, las canciones tenían un toque agresivo muy alejado de los exuberantes paisajes sonoros de Wish You Were Here. Fue un oportuno cambio de dirección. En Britannia Row, rebautizó Raving And Drooling, Sheep y Gotta Be Crazy se convirtió en Dogs. La narrativa se completó con la adición de dos nuevas canciones de Waters: Pigs (Three Different Ones) y Pigs On The Wing.

En Pigs (Three Different Ones), la letra menciona a Mary Whitehouse, directora de la National Viewers And Listeners Association. Whitehouse criticaba abiertamente el sexo y la violencia en la televisión británica y era un objetivo de actualidad para la ira de Roger. El tema era sombrío, pero Nick Mason recordó momentos más ligeros al doblar las canciones con efectos especiales y ruidos de corral. Mientras que Sheep también dejó espacio para la variación negramente cómica de Roger sobre el Salmo 23: "Me hace colgar en ganchos en lugares altos/ Me convierte en chuletas de cordero...". La música y la interpretación reflejaron la intensidad de las letras. Los sintetizadores y el órgano Hammond del teclista Richard Wright aumentaron la inquietud. Mientras que la voz principal compartida de David Gilmour en Dogs y su forma de tocar la guitarra a lo largo de Animals ofrecieron un sorprendente contrapunto a las brutales letras de Roger. Por el contrario, Animals comenzó y terminó con una nota optimista. Las estrofas de Pigs on The Wing se dividieron en dos y cerraron el álbum. La letra de Roger y la interpretación vocal de la intro y la outro acústicas ("You know that I care what happens to you/ And I know that you care for me too...") sugerían esperanza para la humanidad. La idea del cerdo volador de Pink Floyd también fue de Roger. Ya había encargado su construcción como dispositivo escénico para la siguiente gira. Storm Thorgerson y Aubrey Powell, de la empresa de diseño Hipgnosis, habían elaborado una serie de ideas de diseño para una funda de Animals y se las habían presentado a la banda, pero a ninguno de los miembros del grupo les gustaron, y cuando Roger añadió su desaprobación alguien dijo: "Bueno, ¿por qué no se os ocurre algo mejor entonces?". Así lo hizo, en el trayecto de su casa en el sur de Londres a Britannia Row, pasaba regularmente por la central eléctrica de Battersea. Le atraía el imponente edificio de ladrillo y el número cuatro. Cuatro en la banda, cuatro chimeneas fálicas, y si la central se ponía al revés, parecía una mesa con cuatro patas. Siguió adelante con su idea y mandó hacer una maqueta, un modelo a pequeña escala del eventual cerdo hinchable a escala real. A continuación, tomó fotografías de la central eléctrica de Battersea y creó una maqueta fotográfica de la funda de un álbum. Al resto de la banda le encantó. Storm y Po, que habían diseñado todas las portadas anteriores de Pink Floyd, se ofrecieron amablemente a buscar fotógrafos para la sesión fotográfica, y así lo hicieron. El primer día de la sesión de fotos, el cerdo no se infló. El segundo día, se soltó de sus amarras y desapareció en un hermoso y melancólico cielo, lo que provocó una frenética llamada a la policía y la suspensión de todos los vuelos que entraban y salían de Heathrow. Finalmente, el cerdo se estrelló en el campo de un granjero de Kent. Al día siguiente, el rodaje se llevó a cabo sin problemas, con excelentes tomas del cerdo in situ, pero sin un cielo melancólico. Así que Storm y Po desnudaron el cerdo del tercer día en el cielo del segundo día, ¡bingo! Historia. Animals fue un éxito, alcanzando el número 2 en el Reino Unido y el número 3 en los Estados Unidos. El cerdo de Pink Floyd, Algie, debutó en directo en su posterior gira "In The Flesh" en 1977. En los conciertos en estadios de Estados Unidos, se le unió otra idea de Water, una familia nuclear hinchable formada por una madre, un padre y dos hijos y medio, rodeados de los despojos de un estilo de vida consumista: un Cadillac hinchable, un televisor de gran tamaño y un frigorífico. Roger lo llamó Electric Theatre. Tanto el álbum como la gira marcaron el camino hacia el siguiente lanzamiento de Pink Floyd, The Wall, y hacia las ideas cada vez más ambiciosas de Roger, tanto en lo que respecta a su música como a su narrativa, política y espectáculos. Pero sus temas e ideas exploradas en Animals han perdurado. Más de 40 años después, el álbum ha sido remezclado en estéreo y 5.1. En tiempos difíciles y en un mundo incierto, Animals es tan oportuno y relevante ahora como siempre.

Mark Blake

Gracias Mark, siento que te hayan eliminado.

(2). Estoy escribiendo mis memorias e inevitablemente algunas de ellas contienen referencias a algunos de los contenidos anteriores. Para quien tenga un corazón débil, le sugiero que se siente, pero a quien le guste una buena carcajada, que se siente y aúlle, joder. 😂🤣✊🏼 Voy a sentarme y aullar junto con vosotros.

Al principio de este post sobre el tema de las empanadas de cerdo, digo: "Hay un montón de "hicimos esto" y "hicimos aquello", y "yo hice esto" y "yo hice aquello". ¿Verdad? Así que aquí está un breve extracto de mis memorias: 

"Por casualidad, estaba hurgando un poco en un libro de recortes de prensa y me encontré con una entrevista que David Fricke, de la revista Rolling Stone, le hizo a DG en una habitación de hotel en Nueva York en 1982, DG está hablando de la cinta de la caja registradora para definir el ritmo 7/8 en Money. La entrevista se publicó en la revista Musician, así que ya entonces DG estaba sembrando la semilla de la falsa narrativa. Cito este fragmento del artículo textualmente:

David Fricke: "Grabaste los sonidos para 'Money' en un bucle de cinta". Gilmour explica: "Intentabas conseguir el impacto de la caja registradora, 'the snap, crack, crsssh', Marcabas ese y luego medías cuánto querías que durara ese ritmo, y ese era el trozo que usabas. Y lo cortabas juntos. Era prueba y error. Simplemente se cortaban las cintas juntas, y si sonaba bien, se usaba. Si no suena bien, quitas una sección y pones otra diferente. A veces poníamos una y quedaba al revés, porque el corte diagonal de la cinta, si le das la vuelta es exactamente igual. Lo metíamos y en su lugar hacía "chung, dum, whoosh". Y sonaba muy bien, así que lo usábamos".

¡Bueno! La razón por la que todo lo que DG está diciendo aquí a David Fricke suena como un galimatías es porque es un puto galimatías. No tiene ni puta idea de lo que está hablando. ¿Por qué?  Porque, a no ser que estuviera escondido debajo de la puta silla, DG no estaba allí cuando hice ese bucle de cinta de SFX para Money en el estudio que compartía con mi mujer Judy al fondo de nuestro jardín en el 187 de New North Road, Islington, ¡al lado del pub North Pole donde solía jugar a los dardos!

LA HISTORIA COMPLETA DE LO QUE REALMENTE OCURRIÓ ESTÁ EN MIS MEMORIAS.

Así que espero que eso abra tu apetito, y el de David y Polly 😂

Con cariño

R.

jueves, 3 de junio de 2021

'Berlanguiano. Luis García Berlanga (1921-2021)', una exposición trascendental de la Academia de Cine



Fotografías, material audiovisual, guiones, carteles y planes de rodaje integran esta muestra que se inaugurará el 9 de junio, en la sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


Madrid, 3 de junio de 2021

Un recorrido que identifica la evolución de la trayectoria cinematográfica de Luis García Berlanga y, en paralelo, instantes de la vida española retratada por míticos fotógrafos nacionales e internacionales que miraron e interpretaron esa realidad autóctona coetáneamente. 'Berlanguiano. Luis García Berlanga (1921-2021)' es el título de la exposición de la Academia de Cine que se inaugurará el próximo 9 de junio, en la sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde permanecerá hasta el 5 de septiembre.

Impulsada por la Academia de Cine, la muestra presenta al cineasta como uno de los autores más significativos de la cultura española del siglo XX, y muestra al creador de historias y personajes inolvidables a través de sus películas; de su presencia en la primera escuela de cine en España, donde estudió; fotografías de sus rodajes; instantáneas del autor; guiones; bocetos; libretos que no se materializaron; e instalaciones audiovisuales, entre otros elementos.

En el año de su centenario, ve la luz 'Berlanguiano. Luis García Berlanga (1921-2021)', muestra comisariada por Esperanza G. Claver y estructurada en módulos que reúnen más de 170 fotografías de diferentes archivos y fondos fotográficos públicos y privados –Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, Filmoteca Española, Margaret Herrick Library (Academy of Motion Picture Arts and Science), Agencia EFE, Archivo ABC, Centro Documental de la Memoria Histórica de Salamanca…–; una dinámica y ambiciosa instalación audiovisual de doce pantallas donde se muestra la complejidad de sus planos y los referentes que han ayudado a construir una identidad singular, y un homenaje a los numerosos actores y actrices que dirigió, a través de un vídeo en el que podrá verse a más de 100 intérpretes berlanguianos.

La exposición también cuenta con bocetos originales de 'Novio a la vista', 'El verdugo' y '¡Bienvenido, Míster Marshall!'; los carteles originales de 'La escopeta nacional' y 'Patrimonio nacional', y la reproducción de 'Nacional III'; el plan de rodaje de 'Patrimonio nacional'; el pressbook de 'Bienvenido...' que se presentó en el Festival de Cannes de 1953; extractos de guiones con sus anotaciones; los libretos de las dos versiones anteriores a 'La vaquilla', 'Los aficionados' y 'Tierra de nadie', que escribió mano a mano con Azcona; dibujos de decorados y escenografías de sus largometrajes; el Goya que recibió a Mejor Dirección por 'Todos a la cárcel'; y la carta manifiesto que escribió en el año 52 sobre la importancia de formarse en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC) publicada en el primer número de la Revista Internacional del Cine, cuyo original se exhibe en la exposición.

Imágenes de Berlanga con Joan Crawford, Fred Zinnemann, Josef von Sternberg, Alfredo Matas, Amparo Soler Leal, José Luis López Vázquez, Emma Penella, Pepe Isbert, Federico Fellini, Giulietta Masina, Rene Clair, Carlos Saura, Fernando Fernán-Gómez y Juan Antonio Bardem, entre otros, son también piezas de esta recorrido, que empieza y acaba con una celebración del cine español.

'Belanguiano. Luis García Berlanga (1921-2021)' es una exposición de la Academia de Cine, con la colaboración de la Comunidad de Madrid, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Visit Valencia y Filmoteca Española, y el apoyo de instituciones, productoras, distribuidoras y compañías cinematográficas –Mercury Films, Instituto Cervantes, FECE, Fluge, Deluxe, RTVE, Impala Films, Estela Films y Flixolé–.

(Nota de prensa que me remite la Academia de Cine).