jueves, 28 de noviembre de 2024

Entrevista al cineasta Günter Schwaiger, director de la película «¿Quién teme al pueblo de Hitler?», el primer filme que muestra la casa del dictador y la polémica que la envuelve



Braunau am Inn es un pueblo austríaco situado en la frontera con Alemania de algo más de 17.000 habitantes. Entre sus principales atractivos podemos encontrar sus bellas casas del casco antiguo con coloridas fachadas, sus rutas ciclistas o un entorno natural idílico. Pero una pesada losa cae sobre la historia de Braunau…

Fue el lugar donde nació, el 20 de abril de 1889, uno de los personajes más funestos de la historia: Adolf Hitler.

Y lo hizo en el número 15 de la calle Salzburger Vorstadt, un inmueble discreto y agradable con fachada pintada de color crema que, por su condición de lugar de nacimiento del citado personaje, ha mediatizado la vida de todo el pueblo y su historia a lo largo del último siglo.

Durante el gobierno nazi, el partido engalanó su fachada, creó un centro cultural que incluía una biblioteca y después de la Segunda Guerra Mundial fue utilizada como escuela y como taller para personas con discapacidad, función que cumplió durante 30 años hasta su cierre. La casa ha estado muchos años vacía hasta que fue expropiada recientemente por el gobierno austríaco, que ha decidido construir una comisaría de policía, lo que ha generado una controversia que ha trascendido mucho más allá del propio municipio.

El número 15 de Salzburger Vorstadt ha sido lugar de frecuente peregrinación de nostálgicos del régimen nazi y a su vez de antifascistas que se vienen manifestando en contra de este fenómeno en un país, Austria, marco en los últimos años por un preocupante auge de la ultraderecha.

Los vecinos de Braunau están cansados de todo esto.

Esta tesitura convenció al director de cine Günter Schwaiger para hacer su última película documental, que ha titulado «¿Quién teme al pueblo de Hitler?», en la que aborda cuestiones relativas a la historia de esta casa, su uso y la necesidad de reflexionar sobre el peligro que supone mirar hacia otro lado sin aprender de la historia, especialmente cuando las administraciones públicas no apuestan por ello o son partícipes de «el silencio de los verdugos tras lo sucedido en la Segunda Guerra Mundial y de los implicados en la barbarie nazi» como asevera el director.

Günter, cineasta austríaco afincado en España desde hace tres décadas, se encuentra este mes de noviembre de 204 realizando una gira por ciudades de Alemania promocionando su película, compaginándola con proyecciones en localidades españolas desde que en julio de 2023 tuviera lugar su estreno y fuera ya visionada en Austria. Será además la representante de este país en la próxima ceremonia de los Premios Goya aspirando a lograr la estatuilla a mejor película europea.

He hablado con Günter Schwaiger para mantener una entrevista en la que nos cuenta sobre lo que ha supuesto rodaje de «¿Quién teme al pueblo de Hitler?», cómo se gestó la película y sus reflexiones sobre las dificultades que se ha encontrado para hacer realidad el documental y cómo ve la situación política y social en Europa en general y en Austria en particular. También repasamos otras películas de su filmografía relacionadas con este tema, como «El paraíso de Hafner» (también en Filmin) en la que nos contó la vida cotidiana en España, como un anónimo anciano, de Paul Maria Hafner, un criminal de guerra de las Waffen-SS nada arrepentido de lo que hizo.

Muchas gracias, Günter, por la entrevista. Creo que es sumamente interesante desde el punto de vista cinematográfico pero sobre todo necesaria en los tiempos que vivimos.

lunes, 25 de noviembre de 2024

Todo sobre «The Spectrum», la increíble réplica del ordenador de Sinclair que revolucionó la informática doméstica



Estoy convencido de que, si aún estás entre los indecisos, este detallado vídeo del canal #UltimoEstreno te convencerá del todo para que te hagas con «The Spectrum», la consola recién salida al mercado que reproduce el ZX Spectrum, aquella joya de los 8 bits que nos cambió la vida desde el año 1982.
Es la primera vez que una empresa, en este caso Retro Games Ltd, reproduce con una fidelidad tan asombrosa una máquina. En el vídeo «Todo sobre The Spectrum» podréis conocer este mimetismo porque comparamos un ejemplar del The Spectrum con un ZX Spectrum original de 1983.
En este vídeo podrás disfrutar de este contenido:
1.- La apertura de la caja recién salida de fábrica y llegada a casa, con el análisis del contenido elemento por elemento..
2.- Cómo conectar el The Spectrum a la corriente. El cargador necesario (no incluido, ojo). Conexión correcta del cableado. Formateo de pendrive en formato adecuado, grabación y organización de los juegos en carpetas (nunca más de 256 archivos por cada una de ellas).
3.- Navegación detallada por los menús. Opciones de grabación de partidas, de elección de calidad de gráficos y juegos adaptados a las pantallas CRT de televisores de la época.
4.- Repaso a los juegos más importantes que incluye el The Spectrum.
5.- Posibilidades de periféricos y puntos débiles: mandos sin joystick, limitaciones en prestaciones como internet, pokes para vidas infinitas, etc.
6.- ... Y más cosas y detalles en los que puedes sumergirte durante una hora para conocer mejor «The Spectrum».
Enlace para verlo:

martes, 19 de noviembre de 2024

«Esencia», la obra de arte con el caballo cartujano como protagonista


Con motivo del 540 aniversario del nacimiento de la estirpe cartujana en Jerez de la Frontera, la Yeguada Cartuja Hierro del Bocado, junto con el fotógrafo y gran amigo
Paco Martín, han venido desarrollando un proyecto de fotografía llamado «Esencia».

He vivido de cerca lo que mi querido Paco Martín ha trabajado en este proyecto de la mano de la Yeguada y la coordinación de Ángela del Valle. Sus fotografías son siempre espectaculares y lo que ha logrado con bellísimos caballos en lugares dispares es de una calidad extraordinaria.

Y ahora se ha hecho realidad este proyecto en formato de un libro con estas fotografías y textos de nombres como Josefa Parra, Margarita Martín Ortiz, Jesús Rodríguez o Manuel Sotelino.

En las imágenes captadas por Paco Martín aparecen personalidades como Álvaro Domeq en el alcázar jerezano (podéis ver la fotografía adjunta), Paco Cepero, la soprano Maribel Ortega, el compositor Manuel Alejandro, el periodista Paco Lobatón, etc.

El libro «Esencia» se presentó esta pasada semana. No pude asistir a pesar de la invitación, al encontrarme en el Festival de Cine de Sevilla, pero la prensa ya se ha hecho eco de esta puesta de largo que además tendrá continuación: «Esencia» será también una exposición -además con novedosas técnicas para personas con movilidad y capacidades reducidas- y con este proyecto se dará voz a una causa tan necesaria como es la lucha contra el cáncer, destinando un porcentaje del importe de la venta del libro a la Asociación de la Lucha contra el Cáncer de Jerez de la Frontera.

Os animo a consultar la web donde encontraréis toda la información (https://yeguadacartuja.com/esencia-2/).

Me emociona ver los éxitos de mis amigos y su trabajo constante por lograr hacer realidad los proyectos que se proponen. Paco Martín además es de esos tíos que, como te despistes, no solo te cuenta otro proyecto más en mente, sino que te involucra en él con una facilidad asombrosa. Claro que, en algún que otro caso, he sido yo el que lo ha metido en un tinglado como la película documental «Los últimos del Tívoli». ¿Por qué? Porque Paco Martín es el mejor fotógrafo del mundo y es mi amigo.




sábado, 16 de noviembre de 2024

David Puttnam: «Mi experiencia con los directores es que tienen unos ojos maravillosos y unos oídos reguleras»


A David Puttnam (Southgate, Londres, Reino Unido, 1941) le dieron a elegir, en un conocido programa de radio hace ahora cuarenta años, una limitada y exquisita selección de temas musicales que se llevaría a una isla desierta. Entre los que seleccionó se encontraba «When You Wish upon a Star», la extraordinaria canción escrita por Leigh Harline y Ned Washington en 1940 para la película de Disney «Pinocho». Otros dos fueron un título de su admirado Elvis Presley y el concierto para violín en re mayor de Beethoven, «una obra que podría estar escuchando constantemente», afirmó Puttnam el lunes 11 de noviembre en el marco de la 21ª edición del Festival de Cine de Sevilla, durante la Master class que el productor de películas como «El expreso de medianoche», «La misión» o «Carros de fuego» ofreció bajo el título «Usar la música en el cine».

Con los gustos musicales expuestos, no cabe duda de que David Puttnam es un melómano empedernido. En ello estriban los motivos por los que el festival hispalense ha contado con la presencia del cineasta británico para que diera a conocer la estrecha relación que, a lo largo de su carrera, ha mantenido con los compositores que eran designados para musicalizar las películas que producía. Y entre ellas se encuentran cintas capitales con bandas sonoras que también se han escrito con pentagramas de oro en la historia del cine gracias al talento de Vangelis, Mark Knopfler, Giorgio Moroder, George Fenton o Ennio Morricone. «No me gusta emplear la expresión ‘genio’ porque actualmente se usa demasiado. Pero Ennio sí lo es, hay que decirlo claramente. Él es un genio», afirmó Puttnam sin contemplaciones cuando, ya en el último tercio de su clase magistral, explicó el porqué trabajar con el compositor italiano había sido prácticamente lo mejor de toda su carrera. Su experiencia compartida con el público se afianzó aún más con las proyecciones de secuencias de «La misión» o el antológico desenlace de «Hasta que llegó su hora» con la llegada del ferrocarril mientras Claudia Cardinale luce en su esplendorosa y enmarañada guapura. Claro que, para culmen de belleza, Morricone en su máximo ejemplo armónico, eterno y esperanzador, plenamente identificado con todo lo que representa el personaje protagónico femenino, transformando en magistral un final que Puttnam calificó de «sublime, que creo que es la palabra española que lo define».

Y si el dolor de tráquea de emoción contenida hacía acto de presencia a tenor de algunos rostros entre el público, las emociones fluyeron en un silencio roto con un explosivo aplauso tras los minutos de proyección de algunas de las confesiones metodológicas expuestas por el propio Morricone en el documental «Ennio: el maestro» estrenado poco antes del fallecimiento del genio italiano, culminadas con varias secuencias más de «La misión». «El doble mordente, el doble giro… La acciaccatura, la apoyatura. Todos los elementos que enriquecieron la melodía… Y parecía adecuado darle a la película un motete. Lo increíble es que el tema del oboe se fusionó con el motete, éste se combinó con la parte étnica, la parte étnica podía fusionarse con el tema del oboe, así que los temas podían entrelazarse todos juntos. Todo ocurrió sin quererlo. Casi como si hubiera algo que me lo susurrara, la música… Su lógica». Palabra de Morricone en pantalla. Amén.

Pero del maestro romano no solo bebe la felicidad musical del hombre, por lo que David Puttnam hizo una semblanza sobre su experiencia con algunos de los compositores más populares mostrados fotográficamente en pantalla en un panel de diez creadores que han venido musicalizando películas producidas por el conferenciante. Desde Paul Williams a Enya, pasando por Rachel Portman o Howard Blake. Y Giorgio Moroder, con el que inició el recorrido selectivo.




No faltaron las referencias a una celebrada banda sonora que supuso una ruptura en el clasicismo musical presente en las películas hasta los años setenta y el triunfo de lo experimental que vino a cambiar conceptos y estilos. Puttnam justificó el Oscar a la mejor música para Giorgio Moroder en 1978 para «El expreso de medianoche» en base al ritmo que marcaba el score en el filme, una virtud detectada que provocó que la película se remontara en parte en función del trabajo hecho por Moroder. Pero también confesó que la estatuilla para la banda sonora fue colateral, al menos a su juicio. El año anterior habían nominado «Fiebre del sábado noche» de The Bee Gees, lo que supuso un escándalo en Hollywood ante el cambio de patrón musical a la hora de los reconocimientos. Aquello abrió brecha. «Los Bee Gees no ganaron, pero nosotros fuimos los beneficiarios de todo aquello porque hicimos la primera partitura electrónica en ganar un Oscar».

Se detuvo con Mark Knopfler y «Local Hero» (1983), cómo la combinación de la fotografía degradada al final de la película con la música y los timbres telefónicos se fusionaron en una perfecta combinación no solo para llevar al público al estado anímico deseado en el guión, sino también para convencer a la Warner de que el fundador de Dire Straits era el ideal para aquella pequeña joya de Bill Forsyth, que no dudó también en mostrar sus reticencias hacia el compositor desde el inicio del proyecto de su filme. «Yo había oído su disco «Making Movies» (1980) y pensé que a alguien que había hecho ese trabajo seguramente le gustaría escribir una banda sonora para el cine –explicó Puttnam-, así que contacté con él. Fue muy agradable trabajar con Knopfler, pero tuve que organizar muchas reuniones para llegar a acuerdos entre él y Bill para sacar adelante la película», apostilló.

Mención especial mereció Vangelis. David Puttnam ya había confesado, en sus comentarios sobre «El expreso de medianoche», que fue su primera opción para musicalizar la película de Alan Parker, pero la casa discográfica del compositor griego era un obstáculo para ello, «de manera que yo necesitaba a alguien que hiciera la partitura del estilo de Vangelis pero que no fuera él. Moroder era una opción porque con su discográfica sí podíamos trabajar. Así lo acordamos y trabajó muy duro, hizo una obra estupenda. Y ya después pudimos establecer un acuerdo con Vangelis».

 Fue entonces cuando surgió aquella música retenida por millones de espectadores que acompañaba al grupo de corredores por la playa en los prolegómenos de la historia de «Carros de fuego» (1981). Puttnam evitó lo que a todas luces hubiera sido una frustración como productor y, tras años de gestiones intentando fichar al compositor de «Blade Runner», logró contar con él para un filme que Vangelis entendió desde el inicio porque su padre era atleta y había fallecido. “Vangelis quería hacer una especie de tributo hacia su progenitor», explica Puttnam, revelando que en realidad tanto el tema de inicio de la película como los créditos finales llegaron a convertirse en inmortales aunque ‘sobre la bocina’: «Vangelis llegó con el tema, lamentándose que ya era demasiado tarde. Habíamos musicalizado la película pero, casualmente, nos faltaba incorporar la música en los créditos iniciales y finales, de manera que acordamos ubicar el nuevo tema que trajo el compositor para el comienzo del filme». Así fue como nació uno de los inicios más celebrados de la historia del cine gracias especialmente al papel de la música de Vangelis.

No faltó la referencia de Puttnam al trabajo que llevó a cabo con Mike Oldfield. De hecho, «Los gritos del silencio» («The killing Fields», 1984) ha sido la única banda sonora que ha compuesto el creador de «Tubular Bells». «Hizo un trabajo maravilloso, no perfecto porque hay un par de momentos que se podrían haber hecho mejor las cosas, pero esa partitura fue un reto para él. Estábamos buscando una partitura que tuviese esa sensación de caos, de terror, con música electrónica». El productor explicó que en la secuencia de la evacuación de la ciudad tenía asimilado que emplearían música clásica. «Mike me dijo que le dejara intentar hacer algo con ella. Y escribió una pieza magnífica, una obra casi neoclásica perfecta para el momento. Con ello se confirmó que debería haber confiado en él más de lo que lo hice».




A lo largo de su master class, David Puttnam expresó también sus consideraciones con ejemplos de músicas de películas ajenas a su producción, como «Titanic» (1997) o «Star Wars» (1977), esta última aprovechada para abordar el controvertido asunto de los temptracks o pistas musicales utilizadas como referencia previas a la música que finalmente escribe el compositor. Porque el propio Puttnam admitió haber usado diez pistas de Vangelis para «El expreso de medianoche» (aunque posteriormente tuviera que remontar el filme, obviamente, ante el brillante trabajo de Moroder). En este sentido, y refiriéndose a la película de George Lucas, relacionó el punto de referencia que, según el productor, suponen obras preexistentes como «The Kings Row» compuesta por Erich W. Korngold para el filme de 1942.

Paralelamente a la ortodoxia del contenido de su clase magistral, David Puttnam también expresó sus reflexiones u opiniones personales sobre la perspectiva del productor a la hora de trabajar con los creadores musicales. En este sentido, aseguró no recordar haber tenido disputas importantes con compositores. «Yo empleo la palabra control. No es que yo les controle (el trabajo creativo), es simplemente negociación de poder, persuasión… tienes el derecho de tener la última palabra y cuando lo ejerces, vas a tener que estar con una persona que va a seguir peleándose contigo. Pero sí, yo logré salirme con la mía en mi trabajo, y también cometí errores».

Preguntado por el público sobre el abandono que en el cine parece existir actualmente respecto a la melodía,  Puttnam asintió sobre ello afirmando que “las bandas sonoras gustan al público, es algo melódico, y parece que se ha abandonado. Pero volverá. Hay ciertas cosas que no van a irse para siempre”, y apostilló de manera distendida que, aunque no quisiera que esta afirmación trascendiera como suya, «mi experiencia con los directores es que tienen unos ojos maravillosos y unos oídos reguleros. Por eso si se dejan las decisiones finales en manos de los directores, siempre se terminará con un puzle que no va a quedar tan redondo», y para acabar de poner el debate sobre la mesa, compartió una de sus experiencias: «Ridley Scott es un buen amigo. Empezamos juntos y yo produje «Los duelistas» (1977), su primera película. Solo tuvimos una pelea. Ridley quería obras de música clásica, era como un puzle, y yo me sentía en el deber de buscar un compositor (Howard Blake). Siempre le preguntaba porqué le negaba a un compositor esa oportunidad que él había tenido como artista de hacer una película de cien minutos con principio y fin».

(Crónica publicada en esta web y en el medio de comunicación especializado 'SoundTrackFest'. Fotografías de Rafa Melgar y JCFM. Vídeo de JCFM. Derechos de autores reservados. Prohibida la reproducción sin citar siempre las fuentes y autores).







martes, 5 de noviembre de 2024

«La música de John Williams»


La película documental sobre John Williams recién estrenada en Disney+ no es solo una biografía audiovisual de uno de los compositores más relevantes de la historia del cine. Es un vehículo, útil y dirigido a un público emocional más que académico, para que todos vayamos comprendiendo el fundamental papel narrativo que la música cinematográfica desempeña en una película, descartando el concepto de que unas pocas notas ejercen de guinda de un pastel ya presentado, de aderezo suplementario. Todo documental que se adentre en el sentido de las obras de los autores protagonistas vendrá a aportar el grano de arena necesario para que entendamos el poder explicativo de la música hacia la imagen, hasta tal punto de que existen películas que se sustentan sobre su banda sonora como hilvane narrativo mucho más allá de lo que aparentemente creemos.

En «La música de John Williams», hay un momento en el que el compositor, sentado frente a su piano (aparece también así nada más comenzar el filme, como una diáfana declaración de intenciones del compositor bastión del clasicismo musical) explica el porqué de las cinco notas que conforman el conocido tema de «Encuentros en la tercera fase». Podían ser otras, y Williams podría ordenarlas mediante las miles de combinaciones matemáticas existentes sobre cinco elementos. Pero tenía que ser la que conocemos porque conforman una frase que narra a través del lenguaje musical. Y Williams lo explica en el documental con los mismos ojos ilusionados y rostro de niño que lo hace tocando con los primeros compases de «Tiburón» causando en Spielberg una desorientación plasmada en un interrogante: “¿Y con esto, qué pretendes hacer?”, mientras la respuesta es, únicamente, una sonora y divertida carcajada de un enigmático maestro que, por entonces, ya superaba los 40 años de edad, venía de ganar un Oscar y comenzaba a constituir, con un veinteañero, un binomio único y excepcional en el cine contemporáneo.

Lástima que «La música de John Williams» no se adentre más en la génesis de icónicas composiciones del maestro. La admiración y el amor incondicional mostrado por su director y Spielberg y George Lucas como ideólogos del documental convierten el filme, especialmente a partir de su mitad, en una sucesión expositiva de sus bandas sonoras más aclamadas, con dosis testimoniales emotivas como sucede con «La lista de Schindler», pero se echa en falta incidir más en el porqué en lugar del resultado, algo que casi solo vemos con lo explicado anteriormente con «Encuentros en la tercera fase». Quizá, en aras de enganchar a un público más mayoritario, se haya optado por un crisol de joyas en detrimento de adentrarse académicamente en ellas, con lo que hubiéramos entendido mucho más el porqué la música de cine es narración y no aderezo. Pero con lo que ofrece, el documental de Laurent Bouzeró ya es útil y se convierte en un arma más para seguir luchando por la defensa de una música de cine que, además del menosprecio congénito que sufre, pasa por momentos de escasa creatividad. Williams es el único eslabón vivo que une el clasicismo sinfónico con el cine actual, el hombre que aún compone ante su piano, que pinta a lápiz en el papel pautado, cuyo estandarte es la orquesta en su máximo exponente, frente al uso de las nuevas tecnologías y una amenazadora inteligencia artificial que, paradójicamente, no tendrá jamás la suficiente capacidad para comprender las cinco notas de «Encuentros…». Y quien nos las explica tiene 92 años a sus espaldas y continúa entre nosotros. ¡Qué privilegio y honor!

Reportaje, a modo de programa de 32 minutos de duración, sobre «La música de John Williams», en el canal #UltimoEstreno en YouTube en este enlace:

https://youtu.be/63JD1FkDyAk?si=PKwp4i2aWTm6P9lr

lunes, 4 de noviembre de 2024

Quincy Jones

Ha muerto Quincy Jones. Brillante compositor aunque con especial clarividencia para la producción musical, en mi libro «Las bandas sonoras para despedir los días» le dedico un capítulo en el que invito a los seguidores de la música cinematográfica a reparar en «A sangre fría» (Richard Brooks, 1967) o «El color púrpura», la excepción musical al binomio Steven Spielberg-John Williams no sin cierta polémica.

Os dejo, a modo de homenaje, las dos páginas del libro para que las disfrutéis, en las que se incluye el código QR del vídeo explicativo, y os sirvan de aperitivo si aún no tenéis «Las bandas sonoras para despedir los días», que podéis comprarlo en librerías o a través de la web www.lasbandasonorasparadespedirlosdias.com


Vídeo del QR: https://youtu.be/6X4WZEAmEdk