La banda sonora para despedir el día... LOS CHICOS DEL CORO Cumpleaños de Bruno Coulais

'Los chicos del coro' (2004) es una de las películas que ha recibido mayor cariño del público en las últimas dos décadas. Lo tuvo todo para ser un éxito: un profesor empático empeñado en enseñar, un grupo de alumnos que dejan atrás sus reticencias, un director del centro que no está por la labor, un estudiante -el mejor a la hora de cantar- rebelde...Y una banda sonora con canciones entrañables, melódicas y muy bellas. 

Su autor fue Bruno Coulais, un compositor francés que hoy, 13 de enero, acaba de cumplir 66 años. Coulais hereda el estilo de música cinematográfica europea-francesa (tierra de Francis Lai o Georges Delerue) y la 'moderniza' con el empleo de unos coros que frecuentemente utiliza en sus bandas sonoras y que usa para incrementar el motivo dramático de lo que sucede en pantalla, en muchas ocasiones con un estilo onírico fantasioso, como en los casos de las otras dos películas que os ofrezco en el vídeo de hoy: 'Microcosmos' (1996), una sorprendente película-documental sobre la vida cotidiana de los insectos en su hábitat, y 'Los mundos de Coraline' (2009), donde lo infantil y lo fantástico se mezclan de la mano del director de 'Pesadilla antes de Navidad'. Bruno Coulais es un compositor apasionante por su particular estilo que he tenido la fortuna de conocer, entrevistarlo y compartir con él algún que otro festival de música de cine. 

Os ofrezco el vídeo dedicado a él con las menciones a estas tres películas, y os recomiendo que busquéis su filmografía-discografía, especialmente scores de películas documentalísticas como 'Nómadas del viento' o 'Himalaya'.

La banda sonora para despedir el día... PORTERO DE NOCHE 87 cumpleaños de Liliana Cavani

La directora de cine italiana -y de ópera- Liliana Cavani ha cumplido 87 años hoy 12 de enero. 

Es muy probable que el tiempo haya pasado por muchas de sus películas al igual que por ella, pero no se le puede negar ese punto de atracción que poseen, además de tratar temáticas de interés. Otra cosa es el tratamiento que de ellas hiciera en sus filmes o nuestros gustos. 

'Portero de noche' es su película más universalmente conocida. La destructiva relación entre un ex-oficial nazi y su reclusa en un campo de concentración tras el reencuentro, con ese toque de atracción fatal de una bellísima Charlotte Rampling, resulta muy atrayente desde el punto de vista guionístico. La banda sonora es de lo que quizá hayáis leído-escuchado menos, así que en el vídeo de hoy os hablo de ella. Está compuesta por el italiano Daniele Paris, que trabajó también con Cavani en más películas. 

En 'Portero de noche' prima un tema principal, repetido en al menos media docena de veces, con distintas instrumentaciones. 

Aprovecho para mostraros más de Cavani y los compositores que han trabajado para ella. El vídeo también incluye secuencias de 'Galileo' (1969), el biopic de la directora sobre Galileo Galilei. A los inquisitoriales coros aportados en la partitura de Ennio Morricone se suma un hecho demostrativo de la grandeza del compositor italiano cuando Galileo construye poco a poco el telescopio. Te invito a descubrirlo en el vídeo. 

Finalizamos con una película inclasificable. En 1989, Cavani rodó 'Francesco', la vida de San Francisco de Asís, con Mickey Rourke encarnando al santo. Una visión naturalista y dulcinista (valga la expresión) sobre esta figura de la iglesia, con secuencias cuanto menos 'originales' y que algunos calificaron de disparatadas, como la del desnudo de Rourke retozando en la nieve. La música, además se le encomendó a Vangelis, que poco tiene que ver en su estilo con el siglo XII...

1917: Un Medal of Honor inacabable a caballo con un Dunkerke terrestre

Resulta sorprendente que el director de 'American Beauty' y 'Camino a la perdición' pueda haber rodado una película sin más guión que una superación de pruebas bélicas como si echásemos una partida al Medal of Honor y termine autodespreciando su supuesto talento para convertirse en el discípulo más aventajado -por vacuo y plomizo- de Christopher Nolan, realizando una vuelta de tuerca de 'Dunkerke', en un escenario de 23 años previos.

'1917' es un auténtico truñazo. Lo que en un principio parece llamar la atención con los planos-secuencia continuos se convierte en una cosa habitual que lastra el tempo de una película vacía, que por momentos recuerda a 'Gallipoli', otros de muy lejos a 'Apocalypse Now' y, en general, no hay materia gris en ni un solo fotograma que, unidos, conforman una amalgama de imágenes muy cuidadas, de diseño impecable pero sin nada que contar, nada que emocionar, nada de donde rascar diálogos que inviten a reflexionar al espectador sobre la guerra, y la aparatosidad se pueda convertir en un texto de altura, talentoso.

Para colmo, ni Thomas Newman acierta en muchos momentos del filme. También ha optado por el 'ruido' como Zimmer en 'Dunkerke', y cuando hace música, la percusión que emplea en las escenas de acción la hace anacrónica y vulgar. Hay que esperar dos horas interminables para escuchar los créditos, donde Newman ofrece lo mejor de un score contagiado de un filme sin alma y de interpretaciones intrascendentes.

Si te animas a ver la videocrítica en #UltimoEstreno, te explico todo más detalladamente y con imágenes comparativas.

La banda sonora para despedir el día... CYRANO DE BERGERAC THE SHRIKE Cumpleaños de José Ferrer

Tal día como hoy, 8 de enero, de 1912, nacía un actor -y en tan solo una ocasión director- con probadas dotes interpretativas para el cine y el teatro. 

En la pantalla fue especialmente famoso por dos papeles en los que, de una u otra manera, tuvo que deformarse. En 1950 encarnó a Cyrano de Bergerac, el famoso, irreverente y narigudo poeta del siglo XVII, y dos años después se puso en la piel del pintor Toulouse-Lautrec. Por el primero de ambos papeles obtuvo un Oscar. 

La celebración en la memoria de José Ferrer (falleció en 1992) nos sirve para recordar -o conocer- dos bandas sonoras relacionadas con él. En el vídeo de esta noche os ofrezco las composiciones para 'Cyrano de Bergerac' y de la única película que Ferrer dirigió y también protagonizó, 'The Shrike', que francamente desconozco si en España se estrenó en su día. Yo la ví en vídeo y la he rescatado hoy para darme cuenta de que no recordaba, o no le presté la atención debida, a una joya musical como es la banda sonora que Fran Skinner compuso para esta película. Un compositor no tan conocido pero arrebatador cuando se pone melodrámatico, que musicalizó películas pasionales como 'Escrito sobre el viento' o 'Imitación a la vida' y que entre sus obras no tan reconocidas se encuentra 'The Shrike'. Podéis comprobar su pegadizo tema principal en los créditos y su gran elegancia y sensibilidad. Además, los créditos fueron diseñados por Saul Bass, autor de los de 'Vértigo' o 'Espartaco'. Unas tijeras cortando los nombres protagonizan el genial inicio del filme. 

 Previamente, os ofrezco los créditos iniciales y alguna secuencia de 'Cyrano', una banda sonora que en sus momentos incidentales nos recuerda aquellos compases aventureros de Korngold en los años treinta para 'Robin Hood' o 'Capitán Blood'.

La banda sonora para despedir el día... SALOMÉ Roque Baños. Cumpleaños de Carlos Saura

El cineasta Carlos Saura ha cumplido 88 años este 4 de enero. Uno de los nombres más importantes del cine español, el uso de la música en sus películas ha venido siempre a apostillar su narrativa sin cobrar especial protagonismo, desde el neorrealismo de sus primeras obras como la curiosa 'Los golfos' a su consolidación formando un brillante binomio con el productor Elías Querejeta. Los compositores con los que ha trabajado han sido dispares, desde Teddy Bautista en 'Peppermint Frappé' hasta Luis de Pablo en 'Mamá cumple cien años', pasando por Alejandro Massó para 'El dorado', su película quizá más impersonal.

Desde 1992, Saura apuesta por intercalar su cine habitual con documentales de gran magnetismo y calidad a modo de películas dedicadas a géneros musicales universales. Lo hace de la mano del productor Juan Lebrón, al que le debemos muchas joyas del cine español y entre ellas a esa colección documentalística de Saura como son 'Sevillanas', 'Flamenco' o 'Tango'. La perfecta dirección artística en cada una de ellas, la fotografía del gran Vittorio Storaro y la aparición de lo más granado de cada género ante los ojos del espectador bailando o cantando conforman unas películas impecables para enseñarnos con las imágenes y el sonido lo que son los bailes más enraizados en Andalucía o el quejío y las cuerdas de guitarra del cante jondo.

Saura entonces resulta sumamente interesante desde el punto de vista musical gracias a dos etapas: la de sus películas dedicadas a estos géneros y posteriormente cuando conoce al compositor Roque Baños, uno de los más destacados creadores de bandas sonoras de España y que ya lleva trabajando también en Hollywood desde hace algunos años. Baños, el músico español más sinfónico cinematográficamente hablando -con permiso de José Nieto- tiene en su haber bandas sonoras como 'Torrente', 'No somos nadie', 'Los crímenes de Oxford', 'Las 13 rosas', 'Alatriste'... Y con Saura inicia una fructífera relación desde 1999 a 2004, con 'Goya en Burdeos', y posteriormente 'Buñuel y la mesa del Rey Salomón', 'Salomé' y 'El séptimo día'.

Entre los Goyas ganados por Roque Baños se encuentra el logrado en 2003 al mejor tema musical correspondiente a la película 'Salomé', una versión musical de la historia de la famosa princesa relacionada con el degollamiento de Juan el Bautista. Esta preciosidad de película contiene un tema que el compositor lo titula 'Sevillana para Carlos', en una cariñosa alusión al director del filme y en el que el ritmo de la música está basado en el compás de las sevillanas andaluzas, en una partitura escrita solo para cuerdas con la guitarra y los violines como protagonistas. Pura delicia, delicadeza y belleza musical y visual.

Os dejo cuatro cosas:

-Enlace a la secuencia de la película 'Salomé' donde suena el tema galardonado con el Goya, 'Sevillana para Carlos': https://www.youtube.com/watch?v=Om8vyRb105U

-Enlace al tema en su edición discográfica para que lo podáis escuchar íntegro: https://www.youtube.com/watch?v=-K6Nkh-xPsg

-Enlace a las palabras de Roque Baños cuando ganó el Goya en la ceremonia (Emotiva alusión a la necesidad de que la música "contribuya a la paz entre los pueblos". Eran los tiempos del "No a la guerra"): https://www.youtube.com/watch?v=7SKRhLHhbTc&t=196s

-Finalmente, un montaje de cuatro fotografías de algunos momentos vividos con Roque Baños. En una de ellas no aparezco yo, sino que están Roque y el compositor Patrick Doyle ('Enrique V', 'Mary Shelley's Frankenstein', 'Brave') mientras almorzábamos y aproveché para hacerles una foto cuando charlaban de 'sus cosas músico-cinematográficas'.

La banda sonora para despedir el día... 'Martín Lutero' (1953). Mark Lothar, el músico de cine protegido por los nazis

Hoy toca una curiosa rareza coincidiendo con una fecha de relevancia para los miembros de la iglesia luterana. El 3 de enero de 1521, el papa León X excomulgaba a Martín Lutero. 

La historia de este monje alemán impulsor de la reforma religiosa ha sido llevada al cine en varias ocasiones, si bien una de las más destacables fue la que en 1953 trasladó a la pantalla el director Irvin Pichel tras venir de rodar el western 'Santa Fe' o la película de ciencia ficción 'Con destino a la luna', en la que una nave espacial emprende camino desde la tierra a la órbita lunar...¡rodada en 1950 y ganadora del Oscar a los efectos especiales! 

Con 'Martín Lutero', Pichel mete su película también en la carrera hacia los Oscar, obteniendo dos nominaciones a mejor fotografía y dirección artística. 

¿Y la música? Para esta producción pagada en parte con dinero de la Lutheran Church Productions y Luther-Film-G.M.B.H, se contó con un compositor relacionado con la música clásica: Mark Lothar, nacido en Berlín en 1902 y fallecido en Munich en 1985. De 1934 a 1944 fue director musical del Prussian State Theatre de Berlín. 'Martín Lutero' es su obra cinematográfica más conocida -junto con 'Fausto'- dentro de lo poco que se divulga su nombre. Quizá porque se trata de un compositor marcado debido a que, en la vorágine de exilios de músicos alemanes y europeos por los estragos del nazismo, Mark Lothar fue una de las alrededor del millar de personas que Josep Goebbels incluyó en la 'Gottbegnadeten-Liste', es decir, la lista de artistas alemanes intocables para el régimen y llamados a exaltar la capacidad de crear el arte a través de las obras de virtuosos patriotas músicos, arquitectos, escultores o escritores. 

Mark Lothar pudo trabajar con comodidad y tras la guerra siguió en Alemania con sus compases. En 'Martín Lutero' se aprecian varias curiosidades. En el vídeo que os adjunto esta noche podéis comprobarlo. 

Comenzamos con el tema principal, heredero del clasicismo del compositor y, como en otras obras del compositor, curiosamente cercano en su estilo a las del húngaro Miklos Rozsa, que paradójicamente sí huyó de su país por temor a los nazis. La película continúa con un prólogo de una voz en off a la que acompaña la música. Llama la atención que, habiendo Lothar compuesto esta banda sonora en 1953, doce años después aparezca una película como 'El tormento y el éxtasis', también con prólogo, en el que la banda sonora de Jerry Goldsmith tiene similares patrones a los de la de Lothar. Lo podéis comprobar en el vídeo, concretamente en el 1'25'' en adelante. 

Si alguien dudaba de la capacidad explicativa de Mark Lothar con su música pensando que el tema principal podía dar lugar a creer que su score se basaría en música de calidad pero clásica sin tener relación con la imagen, en numerosos momentos del filme comprobamos que no es así, y basta corroborarlo en el mismo prólogo, donde el relato de una iglesia castigadora torna la música en ténebre y oscura (a partir del 2'23'') y el llamativo detalle de las ilustraciones de los esqueletos tocando la flauta, perfectamente introducido en la banda sonora. Instantes después, las notas se vuelven alegres y cotidianas al mostrarnos el pueblo. Posteriormente, el camino de Lutero a Worms es música que recuerda mucho a la que emplea Rozsa en sus filmes en las marchas romanas. A lo largo de su vida, Lothar dirigió con asiduidad obras del compositor de 'Ben-Hur'.

La banda sonora para despedir el día... FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY Bernhard Kaun (1931)/Patrick Doyle (1994)

Comenzamos el año con una apasionante historia que dio pie a películas imborrables en la historia del cine. 

El 1 de enero de 1818, la escritora inglesa Mary Shelley publicaba la novela 'Frankenstein o el moderno Prometeo'. Posteriormente ampliaría el texto, pero la aparición de aquella obra fue considerada como la primera novela del llamado terror gótico que en el cine ha tenido variadas y variopintas versiones. 

Nos vamos a quedar con dos de ellas, la primera la rodada por el director James Whale en 1931. Especialista en aquellos años en dirigir filmes de terror, Whale cuenta con un maquilladísimo Boris Karloff para interpretar al monstruo que crea el enloquecido doctor. Un filme que ha pasado a los anales de la historia del Séptimo Arte no solo por el imponente papel de su protagonista, sino por la ampulosa decoración gótica, la admirable mezcla de terror y romanticismo y la icónica secuencia de la niña al borde del lago con las margaritas. 

La otra versión es la del director y actor británico Kenneth Branagh, que en 1994 rueda un filme esperado con interés por crítica y público. A su elenco actoral capitaneado por el propio Branagh y Robert de Niro como el monstruo, se unieron interesantes nombres en diversos aspectos tras las cámaras. Fue producida por Francis Ford Coppola, que venía del éxito de su 'Bram Stoker Drácula' dos años antes. En el guión estaba Frank Darabont, director al poco de 'Cadena perpetua'. Tenía todos los papeles para ser una gran película que, sin embargo, no fue bien recibida en líneas generales. Su ampulosidad y la teatralidad que en ocasiones pierde a Branagh en sus películas, así como el tratamiento somero de la figura de Frankenstein, no encandilaron a crítica y público. 

¿Y la música? 

Ojo a este aspecto porque es sumamente interesante. La película de James Whale solo tiene como banda sonora un tema corto que acompaña a los créditos iniciales de Bernhard Kaun, un compositor y arreglista que por aquellos años fue contratado repetidas veces para filmes de terror y que en 1938 fue uno de los cinco arreglistas musicales de 'Lo que el viento se llevó'. Para el Frankenstein de 1994, Kenneth Branagh contó con su compositor favorito: Patrick Doyle, el músico escocés que le ha escrito bandas sonoras tan brillantes como 'Mucho ruido y pocas nueces' o 'Enrique V'. 

Doyle hizo una música riquísima para 'Frankenstein', con momentos de acción-terror con un protagonismo extraordinario de la percusión y los instrumentos de viento como la trompa, o románticos para ilustrar auditivamente los momentos más intimistas del filme y del propio doctor, además de instantes épicos como el final del filme. 

El vídeo que os he montado esta noche contiene un corte controvertido. Empieza con los créditos de la película de 1931, para continuar con la secuencia de la creación del monstruo y seguir con el momento de la niña y su encuentro con la criatura. ¿Qué tienen en común? Que no existe NI UNA SOLA NOTA MUSICAL. Los efectos de sonido como la tormenta ocupan el protagonismo auditivo de la creación y por lo demás, nada de nada. 

Personalmente, echo mucho en falta una banda sonora para este filme que acompañara a esas imágenes. Y como curiosidad, el vídeo continúa repitiendo la secuencia de la niña con un montaje de audio que os he hecho personalmente con la música de Patrick Doyle para la versión de 1994. Ya me diréis qué os parece esos magistrales momentos acompañados de una banda sonora tan magnífica como la de Doyle. 

El vídeo sigue con la secuencia más destacada de la película de Branagh, la creación del monstruo. Explosión de percusión, vientos, ritmo frenético y golpe final cuando De Niro abre los ojos tras implorarle su creador a que viva. Finalizo con los instantes finales de la película para demostrar esa excesiva teatralidad del director, pero para que disfrutéis de la joya de música de Doyle. 

En uno de los encuentros que he mantenido con Patrick Doyle en distintos congresos o festivales -os cuelgo una foto con él- nos comentaba como anécdota la noche que su hija, estudiando lejos del hogar familiar, lo llamó por teléfono desde un bar de copas donde, a los escasos minutos y como ritual cada día, en el local se reproducía la secuencia de la creación del monstruo con su música ante la expectación del personal mientras se tomaban sus whiskys y demás.

'Víctima' y la homosexualidad en el cine

El 26 de diciembre de 1978, Adolfo Suárez daba carpetazo a la aplicación de las leyes "de vagos y maleantes" a las personas homosexuales en España. 

Desde ese momento, la homosexualidad dejaba de ser un delito en España. Décadas después, el 27 de diciembre de 2017, la Junta de Andalucía legislaba en esta comunidad para garantizar los derechos, la igualdad de trato y la no discriminación de las personas LGTBI y sus familiares. 

Por mucho que pueda parecer inconcebible, ser homosexual era motivo de cárcel hasta hace bien poco. En otros países como Inglaterra también se las traían, dejando de ser delito en 1963. Hoy, en el cine, es habitual que existan películas con este tema como motivo central o personajes de esta condición sexual. Pero hace décadas y por los años dorados del Séptimo Arte,en los 40, 50 o 60, este tema era tabú por razones obvias y existieron películas con mensajes subliminales exponiéndose no solo al rechazo generalizado, sino a persecuciones con la ley en la mano. O, como 'Víctima', sufrir la censura y estrenarse años después. En España hubo que esperar a octubre de 1975 para verla. Justo es reconocer que, en 1961, aun estando la homosexualidad prohibida en Gran Bretaña, apareció en pantalla esta magnífica y valiente película, dirigida por Basil Dearden, y que fue la primera cinta inglesa en la que no solo se empleaba la palabra "homosexual" abiertamente, sino una temática arriesgada e incómoda para la sociedad británica de la época. Dick Bogarde encarnaba a un abogado involucrado en un turbio asunto de chantajistas de homosexuales, obligados a desembolsar dinero si no querían perder sus empleos y posiciones sociales. La existencia de personajes que van siendo eliminados, el descubrimiento por parte del espectador de quienes eran homosexuales en la vida pública sin que se supiera en la película y la relación de Bogarde con su mujer solo para aparentar socialmente centran el magnífico y arriesgado guión de esta pequeña joya del cine. 

¿Y la música? La banda sonora corrió a cargo del compositor inglés Philip Green, fallecido en 1982 tras escribir partituras para numerosas películas británicas si bien no de gran renombre. En 'Víctima' hace una interesante y buena banda sonora. El vídeo que os ofrezco a continuación y que os he montado con secuencias os demuestra la implicación de Green en este proyecto.

Comenzamos con los títulos de créditos iniciales. Un sonoro piano con tonos clasicistas da inicio al filme, dando paso a las cuerdas con el leit motiv que imperará a lo largo de la película de manera estratégica. En los créditos observamos como el piano juega un papel fundamental en el personaje misterioso que huye del edificio en construcción, apostillando sus acelerados pasos. A lo largo de la cinta, casi cada cuatro-cinco minutos, se dan circunstancias -llamadas telefónicas importantes, encuentros callejeros, etc.- en las que Philip Green introduce siempre las cinco notas primeras del tema. En el vídeo os ofrezco varios ejemplos en los minutos 02', 02'33'', 02'57''... Este último por cierto da paso a un bar donde se adivinan personajes homosexuales que lo frecuentan. 

 No falta en la banda sonora ciertos toques hermannianos que recuerdan al cine de Hitchcock (03'30). Un ejemplo del buen hacer de Philip Green es la siguiente secuencia que os ofrezco, con el personaje que encarna Peter McEnery en la cárcel. (03'57'') Tras ir huyendo antes de ser encerrado, la música vuelve a iniciarse con las notas que hemos comentado antes. Pero lo hace con un violín y va in crescendo hasta rematarlo bruscamente ante la mirada decidida del personaje hacia un punto concreto. La música nos está 'diciendo' que su papel ha llegado a su fin... 

En las secuencias posteriores os muestra asombrosos diálogos (en versión doblada al castellano) sobre la homosexualidad, muy avanzados para aquellos años. "¿Qué tiene que ver que esté casado (para ser homosexual)?", se pregunta el inspector de policía. O las opiniones del camarero del bar. Y el tipo del bombín. O la 'parejita' del ciego y el joven. Una interesantísima película que deja en pañales otros títulos modernos más reconocidos. Os recomiendo enfervorizadamente que visionéis 'Víctima'.

Mi felicitación para todos vosotros y vosotras en esta Navidad e inicios del nuevo año se basa principalmente en un compendio de fotografías de salas cinematográficas antiguas. Con ello, pretendo homenajear a estos locales donde tantas emociones hemos experimentado y, a la vez, reivindicar las salas como los espacios apropiados para ver las películas de nuestra vida, en unos tiempos que nos conducen, creo que indefectiblemente, a olvidarnos de ver el cine donde debe hacerse. Un abrazo a todos y a todas.

Música: Somewhere in Time (John Barry).

'En el estanque dorado', de Dave Grusin

La incombustible Jane Fonda ha cumplido 82 años este 21 de diciembre. Su celebración me da pie a recordar una sublime banda sonora de una de las películas más bellas que recuerdo en la que ha participado.

Si 'En el estanque dorado' (1981) ya era un lujo contar en su reparto con Henry Fonda -falleció poco después de rodar esta película-, Katharine Hepburn y Jane Fonda, la banda sonora compuesta por Dave Grusin vino a aportar un plus de calidad y a apostillar el intimismo humano que retrata el filme dirigido por Mark Rydell.

Personalmente considero este score de Grusin como uno de los mejores de su prolífica carrera. Compositor jazzístico, de incuestionable estilo, calidad y sensibilidad, tuve la oportunidad de conocerlo en el Festival de Música de Cine Ciudad de Úbeda hace unos años, donde nos deleitó al piano con algunas de sus obras. De su talento han salido bandas sonoras como 'Los fabulosos Baker Boys', 'La tapadera', 'Havana', 'Los Goonies' o la genial 'La brigada del sombrero'

'En el estanque dorado' alcanza la maestría. Os enlazo a continuación la película entera, que está colgada en Youtube, y nos detenemos en sus primeros minutos, en el tema principal. Un solitario piano acompaña imágenes paisajísticas fundiéndose en unos créditos que invitan a la calidez en el espectador, a la paz que aporta la naturaleza que la pareja protagonista va a disfrutar posteriormente. En el 1'52'' aparecen las cuerdas, que acompañan al desarrollo del piano, y el surgir de una bellísima flauta en el 2'35'' va haciendo evolucionar el tema hasta que Grusin, en el 3'19'', aprovecha el vuelo de un ave y la aparición de los planos aéreos generales tras los minutos de detalles para romper con la orquesta de una manera sublime. Las imágenes y la música se acoplan alcanzando el máximo esplendor y dejando una impecable tarjeta de presentación para lo que será el resto de la película.

Una apostilla: la banda sonora de 'En el estanque dorado' sufrió UNO DE LOS ROBOS MÁS GRAVES QUE SE CONOCEN EN LOS OSCAR. Era el año 1981 y, entre las 11 nominaciones que tenía la película, se encontraba el score de Dave Grusin. La estatuilla se la dieron a 'Carros de fuego', de Vangelis, una banda sonora conocida por su eficiente tema principal, intrascendente en el resto de la película y mucho menos música -y cinematográfica todavía aun menos- que la de Dave Grusin como es fácilmente comprobable. Lo grave se agravó, valga la redundancia, cuando no solo 'En el estanque dorado' padeció esta injusticia, sino que además lo de Vangelis le ganó a John Williams, que ese año estaba nominado por 'En busca del arca perdida'. Escandaloso. Si al menos Grusin hubiera perdido ante Williams, hubiera sido incluso justificable.

Star Wars IX: El ascenso de Skywalker. El empoderamiento femenino de la saga

El broche de oro a la saga regresa más que nunca a su origen conceptual: la lucha de dos bandos, el bien y el mal, de una manera directa y sin los aditamentos y artificios que rodean a la mayoría del resto de películas de la franquicia. Y, en un ejemplo más de inteligencia de la Disney y compañía, lo hace centrando la pugna en una mujer torturada por el dualismo que la persigue constantemente y cuyos indicios estratégicos de flaqueza están ubicados a lo largo del metraje de impecable manera. Así, si en ‘El despertar de la fuerza’ se nos mostraba las credenciales del personaje femenino de Rey, ahora alcanza su máxima plenitud convertida en casi absoluta protagonista de un filme que, ante los derroteros que va cobrando, va transformando a Kylo Ren en una muleta guionística de la todopoderosa Rey para terminar siendo un partnaire sacrificado que probablemente dé aun más la razón a quienes creyeron ver la inconsustancialidad de este personaje en la predecesora.

Protagonismos casi absolutos aparte, ‘El ascenso de Skywalker’ satisfará a los amantes de la saga porque J. J. Abrams ha querido mirar hacia atrás con los ojos de un seguidor incondicional que jamás dañaría la memoria de Star Wars con un producto ulterior. Y su manera de mimar el lote global de este impresionante folletín galáctico es punzando con emociones como en sepia el corazón del espectador. Así, aparece Lando Calrisian en un maravilloso rescate del personaje; el emperador Palpatine recupera su poder protagónico; C3-PO tiene mayores similitudes con el original; Leia se erige en la pura nostalgia y, además, no sólo se recuperan cromos personificados, sino objetos y conceptos, sobrevolando el tratamiento conceptual de la fuerza –maduro, adulto, oscuro- del que disfrutamos en ‘El imperio contraataca’, la mejor cinta de todas las de la saga.

A ello contrarresta un marcado carácter de desenlace disneyano que, si no somos exigentes, provocará la sonrisa complaciente en el espectador y la sensación de estar visionando un producto animado con el sello de la compañía que se hizo con los derechos de Star Wars en 2012.

Por su parte, no se entiende Star Wars sin John Williams. Al igual que en las películas más icónicas de la saga –con especial énfasis errática además en la primera de todas, ‘Star Wars-Una nueva esperanza’ (1977), ni el compositor ni el director dan respiro alguno y los momentos de silencio son prácticamente inexistentes. Williams apabulla con su magna obra, tanto para bien como para mal, ofreciéndonos como principal ventaja la inconmensurable calidad de su obra. Es probable que, de otro compositor, sería insoportable llegar al final de ‘El ascenso de Skywalker’, una banda sonora en la que los temas ya compuestos para su predecesora, en la que eran muy potentes los dedicados a Rey y Kylo Ren, están muy presentes constantemente en el metraje. El dominio paulatinamente cada vez más acusado de Rey en la estructura y filosofía del filme también está presente en la música, en la que el tema de Kylo Ren va perdiendo protagonismo en favor de las icónicas notas que Williams escribió para la empoderada protagonista.

En definitiva, J.J. Abrams se ha acercado al origen de la saga con ‘El ascenso de Skywalker’ con mayor acento que sus predecesoras, la ha actualizado a los tiempos que corren entregando el protagonismo a una mujer de infinitas capacidades hasta en su dualidad entre el bien y mal, hilvana atinadamente las estirpes familiares que se van aclarando ante el espectador gradualmente y otorga un (supuesto) final más que digno a una saga que, con seguridad, continuará indefinidamente en plataformas digitales como la de la propia Disney o Netflix, con la que ya negoció para ‘El despertar de la fuerza’. Y es que en ‘El ascenso de Skywalker’ se mira, y no de reojo, a ‘The Mandalorian’ sin ser casualidad y más allá de cualquier necesidad guionística. #StarWars #RiseofSkyWalker #UltimoEstreno

Treinta años sin Silvana Mangano

El 16 de diciembre de 1989 -hace ahora treinta años- fallecía la actriz italiana Silvana Mangano. A sus 59 años, el cáncer de pulmón que padecía se le complicó en una de sus estancias en Madrid para ver a una de las hijas del matrimonio que la mantuvo unida con el productor y magnate del cine transalpino Dino De Laurentiis desde 1949 a 1988. 

Aquel final de la década de los cuarenta nos dejaba la película más emblemática de Mangano, siendo aun una veinteañera y con toda una carrera por delante: 'Arroz Amargo', uno de los ejemplos más toscos del neorrealismo italiano: película bruta en exponer la explotación laboral, la discriminación hacia las mujeres e igual de contundente en mostrar a Mangano como símbolo erótico más puramente latino, de prominentes curvas y en contraposición a la belleza porcelánica sajona. 

Tras volver a liarla con las caderas en 'Anna' bailando 'El negro zumbón', Silvana Mangano encaminó su carrera hacia películas en las que comenzó a disfrutar de mayor peso dramático, trabajando con grandes como Visconti, De Sicca, Pasolini... 

Su última película fue 'Ojos negros' (1987), un bellísimo filme que, paradójicamente, la reencontró con su mentor en los años 40, quien la introdujo en el cine y de quien se enamoró por entonces: Marcello Mastroianni. 

¿Y la música? Os he montado hoy un vídeo que seguro que os gusta. En él incluyo la banda sonora de 'Arroz Amargo', tanto los créditos iniciales como el cántico de las arroceras en su labor, obra de Goffredo Petrassi, que fue uno de los profesores de Ennio Morricone, así como el famoso baile 'zumbón' y la bellísima banda sonora que el compositor francés Francis Lai, autor de 'Love Story', escribió para 'Ojos negros'.

Centenario del nacimiento de Alexander Courage, el 'tapado musical' de Star Trek

Alexander Courage (1919-2008)

Tal día como hoy, 10 de diciembre, pero de 1919, nacía el compositor Alexander Courage. 

A muchos no les sonará este nombre pero es más que probable que hayan oído una famosa composición suya que tampoco se le ha reconocido al quedar eclipsada por el desarrollo del tema por otros compositores, especialmente uno. 

A ver, explico el galimatías. La famosa serie televisiva 'Star Trek', estrenada a mediados de los años sesenta, tenía musica de Courage, que se había caracterizado por ser el arreglista -más que compositor- de bandas sonoras y sintonías televisivas de otros. Fue en 1979 cuando el director Robert Wise dirigió la película 'Star Trek' basada en esta serie. Un filme aburridísimo del que el propio Wise -director de 'West Side Story' o 'Marcado por el odio', entre otras joyas- no habló jamás bien que digamos. El propio Wise, al que tuve el honor de entrevistar en el Festival de Sitges en los noventa, no dudó en ponérmela a parir. 

Para musicalizar 'Star Trek' la película se contó con Jerry Goldsmith, en lugar de Alexander Courage. Con el objetivo de identificar al espectador con la serie televisiva, los productores -que no Goldsmith- introdujeron las notas del tema principal de 'Star Trek' de Courage en la película, de manera que antes de sonar el maravilloso tema compuesto por Goldsmith, lo que se oye durante unos segundos introductorios que parecen llamadas musicales es obra de Courage, no de Goldsmith. 

Hoy día resulta difícil aislar la película y sus sucesivas secuelas de la sintonía conocida de 'Star Trek' porque el compositor de 'Instinto Básico' o 'Acorralado' hizo un magistral tema que en la memoria de los espectadores ha quedado...incluyéndosele las notas de Alexander Courage al principio. Es decir, que creo que no se le ha hecho justicia a este músico. Aunque estemos hablando de unas notas de corta duración, es de recibo reconocer que son de Courage y lo posterior ya es de Goldsmith. 

Es curioso porque podríamos definir a Courage como un 'hombre del espacio'. Tras aportar su música a 'Star Trek', fue llamado para hacer la banda sonora de Superman IV. Los productores de la extinta Cannon, que destrozaron la saga, llamaron a John Williams para continuar la estela de las anteriores, pero el compositor parece que vio venir el desastre y dijo que no tenía tiempo, recomendándoles que buscaran a Alexander Courage. Así fue y éste se responsabilizó de 'Superman IV', si bien lo que hizo fue realizar variaciones de los temas de Williams y tan solo varios originales sin apenas trascendencia.

Os dejo dos enlaces para que comprobéis todo lo que os cuento: 

1.- El tema principal de la serie de TV 'Star Trek' con el inicio de Courage famoso y su desarrollo, con gorgoritos incluidos: https://www.youtube.com/watch?v=LIQsrvW6Ji4 

2.- El tema de 'Star Trek' para la película, de Jerry Goldsmith: https://www.youtube.com/watch?v=vSMeYe-sLhs

En memoria de Manuel Tejada

El actor jiennense Manuel Tejada ha fallecido el 4 de diciembre de 2019, a los 79 años de edad. 

Su capacidad interpretativa le brindó reconocimientos en el teatro, con obras como 'El león en invierno' o 'El rey Lear', así como en el cine, donde hizo doblete de películas con directores como José Luis Garci y Álex de la Iglesia. 

Pero sin duda, fue la televisión el medio que le dio mayor popularidad en varias series, especialmente en dos: 'Cañas y barro' y 'Verano Azul', esta última interpretando al padre de los niños Bea y Tito de pandilla. Es en su papel de Agustín donde se gana el afecto del público, no solo por su naturalidad, sino por un rol ideal para el actor, encarnando a un buen padre, sesudo y comprensivo con sus hijos y con el resto de los pequeños. 

Desde el primer capítulo, Antonio Mercero así nos lo demuestra en su 'discusión' con el padre de Javi, mentalidades encontradas que repiten situaciones similares en otros capítulos de la serie aunque siempre en tono cordial gracias especialmente a la madurez de Agustín.

Descanse en paz.

Nominaciones a los Goya (acta notarial)

(Nota de prensa que me remite la Academia) 

Madrid, 2 de diciembre de 2019 

La Academia ha anunciado esta mañana los nominados a la 34 edición de los Premios Goya, galardones que se entregarán el próximo 25 de enero en Málaga. 

En un acto que ha contado con la presencia de Mariano Barroso, presidente de la institución, y bajo la supervisión de la notario Eva Sanz, los intérpretes Elena Anaya y Miguel Herrán han sido los encargados de desvelar los aspirantes a las 28 categorías. Con 17 nominaciones, Mientras dure la guerra es la cinta con más opciones en los galardones, entre ellas Mejor Película y Mejor Dirección. Le siguen Dolor y gloria con 16 nominaciones y La trinchera infinita con 15 opciones a galardón. Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar; Intemperie, de Benito Zambrano; La trinchera infinita, de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga; Lo que arde, de Oliver Laxe y Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, se medirán por el Goya a Mejor Película. El Goya a Mejor Dirección estará entre Pedro Almodóvar, por Dolor y gloria, Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, por La trinchera infinita; Oliver Laxe, por Lo que arde; y Alejandro Amenábar, por Mientras dure la guerra. Aspiran al Goya a Mejor Actriz Protagonista Penélope Cruz, por Dolor y gloria; Greta Fernández, por La hija de un ladrón; Belén Cuesta, por La trinchera infinita; y Marta Nieto, por Madre; mientras que Antonio Banderas, por Dolor y gloria; Antonio de la Torre, por La trinchera infinita; Karra Elejalde, por Mientras dure la guerra, y Luis Tosar, por Quién a hierro mata, lucharán por el Goya a Mejor Actor Protagonista. Salvador Simó, por Buñuel en el laberinto de las tortugas; Galder Gazletu-Urrutia, por El hoyo (The Platform); Belén Funes, por La hija de un ladrón; y Aritz Moreno, por Ventajas de Viajar en tren, figuran en la categoría de Mejor Dirección Novel. 

El presidente de la Academia ha agradecido a las entidades Ayuntamiento y Diputación de Málaga, Junta de Andalucía y Unicaja Banco, su colaboración con los Premios Goya y al resto de patrocinadores y colaboradores de la gran fiesta del cine español.

La Fiesta de Nominados tendrá lugar el 16 de diciembre en Madrid. La gala se celebrará el 25 de enero en el Palacio de Deportes José María Martín Carpena de Málaga y estará presentada por Sílvia Abril y Andreu Buenafuente.

'El irlandés': pros y contras de una brillante película

'El irlandés' es una buena película, pero no podemos hablar de obra maestra ante su abuso del retoricismo reflejado en un metraje interminable y tres niveles de interpretación dispares, entre ellos el del peor Al Pacino en muchos años. 

Nueva videocrítica en el canal de #Youtube #UltimoEstreno, donde te cuento cuáles son los pros y los contras de esta película que hay que ver, como todo lo que hace Scorsese, porque al fin y al cabo, es CINE con mayúsculas. Con sus defectos y virtudes. 

Por cierto: Si no estás aun suscrito a mi canal, ya sabes...¡VENTE AL CINE GRACIAS A ULTIMO ESTRENO! Dale a la campanita y seguiremos siendo más. 🎥🎥🎥

ET vuelve a casa

Independientemente de que la llorera ha sido descomunal al verlo -termino el año sin emocionarme con ninguna película y lo hago con esto-, y que hacer algo nuevamente con un icono de esta categoría resulta bastante arriesgado, lo cierto es que lo que viene a demostrar es que, a pesar de los años, nada menos que treinta y siete, ET es inmortal. 

Hay ocasiones en las que mencionas la película y el personaje y te hacen una mueca como de cine ya 'desfasado' no solo en su género, sino en general. Y nada más lejos de la realidad. Las obras maestras perduran y en cuanto se regresa a ellas el mundo se moviliza. Solo con las cosas imperecederas sucede esto. Por eso, para mí, mis superhéroes preferidos -porque ET es para mí un superhéroe además de un Jesucristo renacido, como ya he explicado desde hace muchos años- me marcaron mi vida en los años 1978 y 1982 y los de ahora me importan un rábano.

'Extraños en un tren'. Alfred Hitchcock/Dimitri Tiomkin

Viene a colación esta banda sonora para la película de Alfred Hitchcock porque precisamente anoche la emitió el canal de televisión TCM, que continuaba posteriormente con su programación ofreciendo 'Ciudadano Kane'. La madrugada se puso para no dormir.

Cuando se habla del director más emblemático del suspense cinematográfico se le relaciona inmediatamente con el compositor Bernard Herrmann. Pero si Herrmann aportó su maestría a filmes como Psicosis', 'Vértigo' o 'Con la muerte en los talones', también el compositor Dimitri Tiomkin trabajó para Alfred Hitchcock en cuatro películas: 'La sombra de una duda', 'Crimen perfecto', 'Yo confieso' y 'Extraños en un tren'.

Curiosa banda sonora esta última, como podéis comprobar en el vídeo que os he montado. El tema más destacado, compuesto para los créditos iniciales, deja a las claras el rabioso estilo lírico con reminiscencias de la escuela rusa, de la que él procedía. El tema es de un gran valor musical pero nulo cinematográficamente hablando. No hay nadie que piense, por la música, que comienza una película donde el 'quid pro quo' con dos asesinatos va a centrar la trama, gracias a una retorcida propuesta de uno de los protagonistas. El tema musical parece más bien el inicio de un filme de amores y desamores, por lo que no aporta en absoluto información sobre la cinta. Eso sí, finaliza el primer minuto y la música va como anillo al dedo en dos aspectos: primero, acompaña perfectamente los movimientos de los dos hombres hasta que se encuentran en el tren -apenas solo se aprecian las piernas y las maletas- culminando con un roce fortuito de los pies derecho e izquierdo de Farley Granger y Robert Walker. Segundo, aquí sí observo que la música desempeña el papel explicativo del filme. A pesar de lo macabro de la propuesta que vamos a conocer en breve, ésta es tratada por Hitchcock como un juego de intercambio, como una partida estratégica, como un divertimento por el que el director se decanta a la hora de tratar la trama en un ejemplo más de la macabra sorna con la que el cineasta le gustaba tomarse todo. La música contribuye al juego de una negra propuesta como, por ejemplo, la que años después veremos en 'La huella' de la mano de la excelente banda sonora que hizo John Addison. Lo podéis comprobar también en el vídeo.

La siguiente secuencia del montaje que os ofrezco es en el clímax del desarrollo del partido de tenis. La caída del encendedor en una alcantarilla da pie a una secuencia frenética en la que la música de Tiomkin juega un papel fundamental para mantener la tensión de los sets. El compositor sustenta la secuencia recurriendo a un ritmo espectacular que altera cuando, paralelamente, aparecen los intentos por rescatar el encendedor de la cloaca en otro lugar lejos de la pista de tenis.

Tiomkin resuelve con solvencia la secuencia de más de seis minutos como también contribuirá de manera crucial en lo que sucede posteriormente en el tío vivo del parque de atracciones.

 Tiomkin trabajó con grandes, aparte de Hitchcock, como Frank Capra, para el que hizo las bandas sonoras de media docena de películas, así como Howard Hawks, Fred Zinnemann o Anthony Mann.

Cincuenta años, toda la vida, siendo de la Misericordia

La Hermandad de la Misericordia de San Fernando me hizo anoche entrega de un diploma acreditativo de mis cincuenta años como hermano de la cofradía. Gracias de corazón por ello.

Con la perspectiva que te da medio siglo, da vértigo pensar que en apenas mes y medio cumplo 51 años de vida y desde que nací pertenezco a la Misericordia. Creo que a estas alturas puedo afirmar que, posiblemente, mi condición de hermano me acompañará lo que me resta de vida. Entonces, como ya sucede ahora, será lo único que durante toda mi existencia me haya acompañado a la hora de pertenecer a una institución o un grupo, en este caso fraternal.

Cincuenta años con vivencias inolvidables, con etapas más comprometidas, con otras de menor presencia tal y como te marca el devenir de tu vida... Pero siempre formando parte de la Misericordia isleña, la que cada Jueves Santo comparto con mi padre desde que tuve cuatro años y la que me puso a mi lado la mujer que quiero.

Con mi afecto más sincero hacia mi hermano mayor, Jesús Fernández Aranda, y su junta de gobierno, y con mi felicitación que traslado también al resto de homenajeados por cumplir 25 y 50 años en la Misericordia.

Los juicios de Nuremberg. 'Vencedores o vencidos'

Tal día como hoy, 20 de noviembre, en 1945, comenzaban los famosos juicios de Nuremberg.

Finalizada la Segunda Guerra Mundial, los aliados llevaron a cabo un macrojuicio condenatorio contra jerarcas nazis acusados de provocar las barbaridades que ya todos conocemos. 

Stanley Kramer, cuyo oficio fue solvente a lo largo de su trayectoria aunque resultó más interesante como productor que como director con películas como 'Solo ante el peligro' o 'El motín del Caine', se situó tras la cámara en 1961 para rodar 'Judgment at Nuremberg', llamada en España 'Vencedores o vencidos' gracias a algún lumbreras o alguien con la censura en el cogote. 

Lo hizo con un reparto espectacular, en el que un enorme Spencer Tracy crepuscular encarnaba al juez de la corte que juzgaba los crímenes, Burt Lancaster al nazi Ernst Janning, Maximilian Schell como abogado de la defensa y todo un abanico de secundarios de lujo, como Montgomery Clift o Marlene Dietrich. Comenzaban a estilarse las películas de juicios y la industria hollywoodiense no iba a desaprovechar una de las vistas más importantes del siglo XX... 

¿Y la música? La banda sonora corrió a cargo de Ernest Gold, que ya había probado las mieles del éxito tan solo un año antes al ganar el Oscar por la potente banda sonora para 'Éxodo'. Nada más dispar respecto a ella fue el siguiente trabajo de Gold para Stanley Kramer. El compositor decidió dejar que el silencio imperara en casi todo el filme, especialmente en las numerosas secuencias en la sala de juicio. Colocar música en ellas durante los tensos interrogatorios a los personajes que iban pasando ante el tribunal podía mermar la sensación del espectador de encontrarse sentado en una de las sillas del público, de modo que Gold y Kramer prescinden de ella durante la mayor parte de la película para acercar al público de manera más realista lo que está sucediendo. 

Para comenzar y terminar el filme, así como en alguna otra ocasión, emplearon himnos alemanes cantados en la época nazi. De hecho, el inicio de la película parece un documental de exaltación nacionalsocialista. 

 Entonces, ¿qué hizo Ernest Gold, además de sacrificar sus conocimientos y posibilidades de lucimiento? Arregló las piezas militares ya existentes, compuso música muy incidental y el tema más destacado a mi juicio es el llamado 'Guilty Or Not Guilty' (Culpable o no culpable) que es el único que suena en todo el juicio, precisamente cuando el juez declara los casos vistos para sentencia. En ese momento, tras tantas sesiones de tensión, el tema rompe dramático, clásico, solemne... y cortado, tan solo unos quince segundos cuando en su minutaje completo dura 1'15''. 

 En el vídeo que os he montado esta noche podéis ver todos estos momentos: lo iniciamos con los créditos del comienzo con una canción nazi. Posteriormente, saltamos hasta la secuencia en la que el juez Dan Haywood (Spencer Tracy) pasea con Marlene Dietrich tras coincidir en el teatro, en su papel de una mujer alemana misteriosa, que parece tratar de influir sobre el magistrado americano... Lo curioso es que Kramer y Gold hacen un guiño a Marlene en esa secuencia, porque en lugar de emplear música original, recurren al famoso 'Lili Marleen', la canción que indefectiblemente identificamos con Dietrich a lo largo de su carrera como actriz y cantante. Los compases del estribillo de este tema también los utiliza Gold casi al final de la película de una magnífica forma, informando al espectador sin media palabra que Tracy coge el teléfono para llamarla a ella. La siguiente escena de Dietrich sentada a contraluz, con el plano secuencia que hace Kramer en esos instantes, es extraordinaria. 

Como demostración del valor del silencio en este filme, os he montado en el vídeo el momento del interrogatorio a Montgomery Clift. La frase "forme una oración con las palabras liebre-cazador-campo" con la que le increpa un Maximilian Schell oscarizado por su papel como también algo teatral, forma parte inmortal del filme, así como la genial interpretación de Clift dejando entrever la difusa discapacidad mental que se le achaca y que el abogado defensor trata de demostrar para justificar lo que los nazis hicieron con él. Como el tema que os comenté 'Guilty Or Not Guilty' no está completo en la película, os lo ofrezco entero en el vídeo para que lo disfrutéis, así como finalmente una canción llamada 'Liebeslied' que podría pasar por una de tantas románticas de tradición alemana, si bien es original de Ernest Gold. 

 La BSO de 'Judgment at Nuremberg' tuvo una edición Deluxe en 1998 con el cartel de la película en el interior y un CD Rom con fotos y vídeos, editado por el sello Ryco. Yo la adquirí en su día, desconozco si aun existen ejemplares o está descatalogada.

El Museo del Prado en el cine: 'La hora de los valientes'

El cine ha mostrado el Museo del Prado en más ocasiones de las que podemos imaginar. 

Para celebrar que hoy, 19 de noviembre de 2019, se cumplen 200 años de su apertura, recurro nuevamente a uno de mis cineastas de cabecera, Antonio Mercero, que con guión de él mismo y Horacio Valcárcel (es decir, el mismo tándem de 'Verano Azul'), llevó al cine, en 1998, 'La hora de los valientes', película que gira en torno a un trabajador del Museo del Prado -interpretado por Gabino Diego- en la Guerra Civil, en un momento en el que los cuadros son trasladados a Valencia para protegerlos de los bombardeos y efectos del conflicto. 

Con la historia del autorretrato de Goya y el anarquismo de fondo, la historia cuenta con un protagonista mayor como si 'estuviera vivo' y que sirve de escenario privilegiado para los acontecimientos. Ese es, precisamente, el Museo del Prado. 

¿Y la música? La banda sonora original fue compuesta por el músico vasco Bingen Mendizábal, que desgraciadamente se prodiga poco como compositor, cuando su obra ha sido siempre interesante. Es probable que su mejor banda sonora sea 'La madre muerta', la película de Juanma Bajo Ulloa, pero la partitura de 'La hora de los valientes' cumple con creces con las necesidades del filme. 

En el montaje de esta noche os ofrezco cuatro momentos para comprobarlo. Comienza el vídeo con los créditos. La extraordinaria labor de diseño de producción de Gil Parrondo ya se aprecia desde los instantes iniciales. La música se enmarca en un estilo tan marcial como propio de himnos tanto militares como nacionales, con toques y llamadas de trompetas que apostillan el carácter bélico de lo que sucede en la película. 

El segundo clip nos traslada a la rápida protección de los lienzos del Prado para su traslado, todo ello también con música amenazante militar remarcada por el tambor. No obstante, observad cómo resuelve el director y el compositor esta secuencia, al surgir una de las obras cumbres del Prado: las Meninas de Velázquez. El cuadro aparece trasladado en escena desde la derecha hacia la izquierda en un plano general y desaparece la música militar, que se transforma en una composición más amarga, mientras el personal del teatro se queda paralizado, de espaldas, observando la maniobra, firmes. La cultura, sus trabajadores, 'se cuadran' ante el arte supremo, no ante el poder militar. 

Una tercera secuencia del vídeo muestra un momento en el que Mercero nos enseña el museo en general. Me resulta llamativo que el tema que coloca Bingen Mendizábal en ese instante tenga similitudes con el preludio que Jerry Goldsmith compuso en 1965 para la película 'El tormento y el éxtasis', sobre la historia de Miguel Ángel Buonarroti, en donde precisamente el filme nos está comenzando a mostrar las excelencias artísticas del Vaticano. Os lo he puesto también en el vídeo para que lo comprobéis. 

Finalmente, Mendizábal culmina la película con un precioso tema en el que el oboe intensifica el efecto dramático de un final de despedida de la chica y el joven dirigiéndose hacia el autorretrato de Goya: "Salud, compañero".

Museo del Prado y Real Teatro de las Cortes

Hoy, 19 de noviembre, se dan dos felices circunstancias culturales. 

El Museo del Prado cumple 200 años, y por otro lado, el Real Teatro de las Cortes de San Fernando, emblemático lugar del parlamentarismo moderno y de la cultura, fue declarado Monumento Histórico Artístico el 19 de noviembre de 1935. Es uno de los pocos teatros de España que ostenta dicha catalogación. 

Dos conmemoraciones unidas por la cultura y por una fecha. Hubiera sido una magnífica ocasión para celebrar un evento en San Fernando con la participación del Museo del Prado a través de su patronato, que preside el ex ministro socialista Javier Solana. Claro que hubiera sido más fácil si el Real Teatro de las Cortes, en lugar de ser ahora mismo centro de polémicas laborales, hubiera contado con su patronato para ser gestionado, tal y como se aprobó por el Pleno municipal de esta ciudad ¡en febrero de 1999! Es decir, hace más de 20 años... 

Una ocasión perdida (otra). Seguro que en próximos años, para otros doscientos más del Museo del Prado o cualquier otra conmemoración de nuestro coliseo isleño, los gobernantes de la ciudad y sus asesores, que para eso deben de estar, piensan en una conmemoración como se merece nuestro edificio cultural e histórico más emblemático y la fecha de hoy. 

Ilustro mis palabras con una fotografía de tiempos felices en el Teatro de las Cortes. 

#hacefaltanivel

Cumpleaños de Scorsese. Felicidades con la BSO de 'La última tentación de Cristo'

Martin Scorsese regresa a mi muro, en esta ocasión con motivo de su 77 cumpleaños en este 17 de noviembre. Lo felicito por ello y me sirve de justificación para la banda sonora que despide su día de celebración.

Es probable que, de todas las películas dirigidas por Scorsese en su carrera, la que posea una banda sonora más interesante sea 'La última tentación de Cristo' (1987). Un filme polémico en su momento para mentes estrechas que, como suele ser habitual, no quisieron entender el mensaje de la película y del libro anterior, quedándose con las imágenes narrativas dentro del imaginario mundo de Nikos Kazantzakis -la relación carnal de Jesús con María Magdalena, la bajada de la cruz por su propio pie ayudado por la niña/el demonio, su oficio de carpintero que hace cruces para los romanos- cuando, en realidad, la historia culmina con la victoria de Cristo sobre esa tentación que le pone en bandeja el diablo y de la que finalmente reniega.

¿Y la música? Cuando Scorsese no hace películas de mafiosos no emplea canciones ya hechas. En 'La última tentación de Cristo' contó con Peter Gabriel, el fundador del grupo 'Génesis', que apenas tiene compuestas cuatro bandas sonoras a pesar de haber manifestado en algunas ocasiones que le apasiona esta tarea. Es comprensible, se trata de un músico centrado durante toda su carrera en experimentar. Y para una película sobre Jesús tan inusual, con un salto temporal de dos mil años y en una localización tan definida étnicamente, contó con un caldo de cultivo que dio como resultado un excelente score.

Se trata de una banda sonora en la que la percusión juega un papel fundamental, en la que los sonidos y ritmos autóctonos se conjugan en ocasiones y muy acertadamente con instrumentación sintetizada y de una gran riqueza descriptiva. Peter Gabriel decidió además emplear instrumentos autóctonos de diversas culturas y países, como el duduk, una especie de flauta armenia; el surdo -bombo-; la tabla -unos tambores de origen indio-; el kamancheh, un instrumento de cuerda iraní, o el sintetizador analógico Profeta 5, del que por cierto existen muy pocas unidades en el mundo.

En el vídeo que he montado para ilustraros lo que os comento incluyo cuatro momentos de importante presencia musical: los créditos iniciales, donde ya el desarrollo del tema deja entrever el papel de los instrumentos de percusión tras un leit motiv que se repite en varias ocasiones en el filme de fuerte sentido étnico y dramático. Tras los créditos vais a ver la secuencia en la que Jesús -interpretado por un extraordinario Willem Defoe- predica en una de las ocasiones y contempla contrariado como la gente se marcha alentada por él pero soliviantada y con fines bélicos. Frustrado tras sus palabras, se acerca María Magdalena y Cristo decide aliviarle los pies ante la atónita mirada de los discípulos. Suena un hermoso tema con ribetes amorosos que, aun conservando sus mismas notas, el compositor lo transforma magníficamente en un signo de suma de fuerzas al introducirle percusión para la siguiente secuencia, que enlaza con el mismo tema.

 La tercera secuencia que os he elegido nos enseña a María Magdalena curando las heridas de Jesús en el inicio de su nueva vida tras renegar de la muerte en la cruz. Lo más lógico es que, en el comienzo de una secuencia de amor de esta índole, Peter Gabriel hubiera empleado el mismo tema con desarrollo que el anterior del alivio de los pies de la mujer. Pero no. El compositor no nos lo pone tan fácil y se decide por el tema de los créditos iniciales. ¿Con qué intención? Me decanto por pensar que el tema principal no deja de estar formado por golpes de percusión atormentada, que con un 'in crescendo' psicológico nos va mostrando la pugna interior de Cristo en sus dudas sobre su destino. Cuando Jesús yace en el lecho de la Magdalena, Gabriel no quiere escena de amor convencional, sino un amor que forma parte de ese atormentado destino y nos lo recuerda con la música de inicio del filme.

La cuarta secuencia nos lleva al final de la película. Jesús en su madurez descubre 'el pastel', es decir, que todo era un invento del demonio para tentarle, y le ruega encarecidamente al Padre regresar a la cruz para cumplir con su misión que ahora comprende a la perfección. Vuelve a sentirse en ella, a una regresión en nuestro tiempo -no en el suyo-, se observa crucificado y sonríe. Todo está cumplido, incluyendo haber superado su última tentación. Peter Gabriel acompaña todo ello con un tema minimalista de compases con cuatro notas que suenan en una misma escala que una campana de iglesia repicando por motivo gozoso, y nos muestra musicalmente que estamos no ante un final, sino ante un principio que comenzará con la resurrección.

Ver 'El irlandés' en el 1,2% de los cines españoles que la proyectan puede llegar a costarte más de 50 euros

En España existen un total de 3.593 pantallas de cine distribuidas en 723 salas o multisalas. Son datos extraídos de la Asociación para la Investigación de Medios de Comunicación (AIMC) publicados en mayo de este mismo año.

La nueva y esperada película de Martin Scorsese, 'El irlandés', se ofrece en 45 salas. Es decir, en tan solo un 1,2% del total de las pantallas repartidas por el país.

¿Por qué ocurre esto? ¿Qué consecuencias para el espectador está teniendo la batalla de Netflix con las exhibidoras, después de que la plataforma se haya negado a demorar la emisión de 'El irlandés' los preceptivos tres meses y los responsables de las salas no quieran exhibirla porque creen que los números no les van a salir? Ya sucedió con 'Roma' en 2018, pero cada vez las plataformas de streaming producen más películas y, defendiendo su naturaleza, orientan el mercado a estrenar para sus abonados.

¿Significa esto el fin del cine en las salas? ¿Existen fórmulas que incentiven al espectador a ir al cine a la vez que visionar la película en su casa?

En este nuevo vídeoreportaje en el canal #UltimoEstreno te explico la situación de la manera más diáfana posible. Y también te cuento lo que significa para nosotros que 'El irlandés' no podamos verla en nuestras provincias, ciudades, municipios...

Ver en el cine la película de Scorsese te puede costar entre 41,74 y 54,48 euros según el estudio que he realizado con datos absolutamente fidedignos que podrás calcular a la vez que ves el vídeo en tu situación particular dependiendo de donde vivas. En mi caso, al residir en Cádiz, el cine más cercano donde se exhibe 'El irlandés' se encuentra en Sevilla, a 122 kilómetros por autopista más algunos otros hasta llegar a zona este.

Entrada+transporte+peaje...¿? euros. Si a ello le sumas aparcamiento en una ciudad sumamente complicada para estacionar y solo una botella de agua en 7 horas...¿? euros. Las interrogaciones se revelan en el vídeo.

Es absolutamente demencial. Particularmente, no estoy dispuesto a pagar esas cantidades porque a Netflix y a los cines les dé la gana. Los que llevan el negocio tendrán que solventar esta situación o el cine, tal y como lo tenemos concebido hoy día, se nos muere y quedará para ver películas en el ordenador o en casa en pantallas limitadas.

Lo siento. No habrá crítica de 'El irlandés' hasta verla en Netflix. No admito esto. Y no me llaméis 'tieso', pero ver una película no puede costarnos 50 euros a nuestro bolsillo. Es inadmisible y no es ético.

Pincha y te lo cuento. Ojo, siéntate y escucha. No es un vídeo de un par de minutos, pero creo que es necesario contar esta situación tan grave de esta manera.

https://www.youtube.com/watch?v=_Cvo1bUcMzs

Roy Webb en la fecha del cumpleaños de Veronica Lake

El 14 de noviembre de 1922 nacía una de las mujeres más perturbadoras -y escasamente soportable por sus 'partenaires' cinematográficos- en toda la historia del Séptimo Arte. Veronica Lake, con su rabiosa belleza, su rubia melena y su crudo humor negro tuvo tantos hombres tras ella como enemigos en la industria del cine. 

Su vida fue un poema, el alcohol acabó con ella, enfrentada a sus hijos y sola, muriendo a los 50 años y con sus cenizas esparcidas en el mar. Lake hizo un puñado de películas maravillosas como 'Me casé con una bruja', dirigida en 1942 por René Clair. Su temática dio pie años después a la popular serie 'Embrujada' y a nosotros nos invita esta noche a recordar con justicia al compositor de esta película, Roy Webb. 

Nominado al Oscar a la mejor banda sonora por 'Me casé con una bruja', lamentablemente Webb no está ubicado en el lugar que le corresponde como creador de música cinematográfica. Parte de esta injusticia fue provocada por su masiva creación de partituras para la RKO, remezclando composiciones anteriores, mermando su capacidad creativa ante la extensa producción de la compañía, tanto que llegó a componer una media de doce bandas sonoras por año en la década de los cuarenta. Ríase usted de Morricone... 

Uno de sus scores más conocidos fue para la película 'Encadenados', de Hitchcock. Pero centrémonos en 'Me casé con una bruja'. 

Deliciosa película y banda sonora de gran interés por varias razones que comparto con vosotros y que podéis comprobar a través del vídeo que he montado con secuencias del filme con cuatro partes diferenciadas. En una primera, los créditos iniciales, en los que Roy Webb juega maravillosamente con la marcha nupcial introduciéndola a modo de guiño en su tema principal, en el que juega con notas que piruetean en tonos 'mágicos'. Una magia 'blanca', como se puede comprobar. En solo un minuto es capaz de ello, y también a mi juicio tengo claro que Webb fue un espectador consumado de 'Fantasía' tan solo dos años antes, en 1940, con especial atención a su aprendiz de brujo... Precisamente el segundo clip del vídeo os da muestras además de una característica del estilo compositivo de Roy Webb: el llamado 'mickeymousing', apelativo -no siempre cariñoso- con el que se le conoce al método por el que los compositores apostillan cada movimiento en escena con su música sincronizados al máximo. No es de extrañar: Webb fue ayudante de Max Steiner, el gran compositor que en su haber posee uno de los ejemplos de 'mickymousing' más diáfanos: su 'King Kong' de 1931. En 'Me casé con una bruja' vemos al gato entrar en la casa, corretear, subirse al sofá con Veronika Lake, la puerta se cierra.. Oid la música y veréis, aunque parezca paradójica la frase. 

Un tercer corte del vídeo nos muestra a Veronica Lake cantando en versión original y el cuarto y final me parece enormemente interesante. Solo lanzo una afirmación sin explicar más allá: estoy plenamente convencido de que Steven Spielberg y John Williams vieron esos minutos finales de 'Me casé con una bruja' antes de rodar y musicalizar 'ET'.

Nueve años sin Berlanga. Recordando 'Tamaño natural'

El 13 de noviembre de 2010 nos dejaba uno de los grandes cineastas de nuestro país: Luis García Berlanga. 

 'El verdugo', 'Bienvenido Míster Marshall', 'Plácido' o 'La escopeta nacional' son algunas de sus obras maestras. Bajo una exposición de motivos que en la mayoría de las ocasiones se basaba en apariencias temáticas grotescas, se encontraba una talentosa y mordaz manera de exponer y criticar situaciones vinculadas a la sinrazón humana, a la política mal entendida, a la insolidaridad, a la obligada desesperanza o al sexo incomunicativo. 

Este es el caso de una de sus películas más retorcidas, 'Tamaño natural'. En las ocasiones en las que compartí con él alguna mesa redonda, cenas y charlas en general, era muy común que habláramos mucho de este filme con el que el maestro se divertía sobremanera recordándolo. No hay que olvidar que era un gran aficionado a todo lo relacionado con el sexo. 

'Tamaño natural' contaba la historia de un dentista perturbado por una muñeca hinchable. Michel Piccoli (que en diciembre cumplirá nada menos que 94 años) encarnaba a un ser capaz de sustituir a su esposa por una muñeca, en la que busca no solo sexo, sino comprensión y ternura, con las consiguientes reacciones de quienes lo rodean al conocer su existencia. Desde su mujer, que en un acto de humillación -y un ejercicio guionístico extraordinario- se hace pasar por otra muñeca para recobrar el cariño de su marido -impagable el plano de ella inmóvil llorando al comprobar la reacción de él- a su familia, que actúa de la misma manera que podemos ver la película en un principio: como una astracanada burda y forzada, cuando en realidad se convierte en un ejercicio de exposición humana de la incomunicación, la soledad y el desencuentro emocional. 

¿Y la música? Aquí tenemos otra curiosidad. El célebre compositor francés Maurice Jarre escribió la banda sonora, siendo la única ocasión en la que hizo música para una película española. Al creador de grandes scores como 'Lawrence de Arabia' o 'Doctor Zhivago' no lo relaciona nadie con Berlanga, pero ya véis... 

La banda sonora de 'Tamaño Natural' no está editada. Creo haber visto una edición pirata hace muchos años que no logré adquirir. Apenas algo más de 17 minutos hizo Jarre con especial dedicación a la aparición de la muñeca en pantalla por vez primera y en el impagable final cuando flota sobre el agua tras la caída del coche. En ambas partes -que os ofrezco en un vídeo que he montado extraído de la copia que tengo de la película- se juega con el mismo leit motiv, un tema sensual para el que lógicamente Jarre emplea el instrumento más sexual que existe, el saxo, acompañado de órgano, sinuoso y que resulta pegadizo. Su perceptivo inicio de corte erótico va dando paso en su desarrollo a una sensación, provocada por la música, de soledad, tristeza y vacío a pesar de lo que contemplamos, revelándonos por lo tanto Jarre que el protagonista involuciona en su insatisfacción aunque no se percate de ello y adelantándonos un final infeliz.