El pellizco de James Horner

Cuando algo que vemos o escuchamos -en general, que sentimos- nos toca la fibra sensible desde el primer momento en que somos partícipes de ello solemos decir coloquialmente: "Esto tiene pellizco".

En este sentido, y en la música de cine de las últimas cuatro décadas, existió un compositor cuyas bandas sonoras alteraban nuestra sensibilidad por razones muy marcadas. A la calidad musical de su obra se unía su admirable capacidad para convertir, cada una de sus composiciones, en protagonistas fundamentales de las películas, siendo mucho más que meros acompañamientos para acentuar la imagen. Es decir, no hablamos de 'elementos técnicos' que apostillaban la imagen como accesorios para poner la guinda a estas producciones, sino de creaciones inseparables de éstas, de 'narraciones musicales' absolutas, de guiones que contaban a través de la música las historias que nos muestran en el cine.

Creó 'su' música, su sello, independientemente de los débitos que todo compositor tenga con sus orígenes que no son deudas sino espejos en los que crecer para evolucionar y, con esas obras, hacer aun más grande la música de cine. Componía, orquestaba, dirigía a los músicos, arreglaba, con todo lo que ello supone para llegar a ser un músico completo. Capaz de escribir 'Aliens' el mismo año que 'El nombre de la rosa' o compaginar durante varios meses la gestación de la epopéyica 'Tiempos de gloria' con el drama doméstivo 'Mi padre'. De inmortalizar para el cine con su música películas débiles como 'Leyendas de pasión' o de escribir inconmensurables canciones tan dispares como las creadas para 'El busca del valle encantado' o 'Titanic'. Se habla hasta la saciedad del autoplagio -para mí un sello inconfundible-, pero no se defiende la camaleónica capacidad demostrada a la hora de escribir 'Fievel va al Oste' -score y canciones- o 'La máscara del zorro' algunos años después, por citar varios ejemplos.

Hoy, 14 de agosto, James Horner hubiera cumplido 68 años si no hubiera sido por aquel fatídico accidente de avioneta que acabó con su vida el 22 de junio de 2015. El pellizco de su obra que tantas veces nos había tocado la fibra sensible se transformó aquella mañana del recién inaugurado verano en un punzante pinchazo de dolor del que, en realidad, no nos hemos recuperado jamás, porque cada vez que se estrenan determinadas películas a lo largo de los años, nos preguntamos en nuestro interior qué hubiera compuesto James Horner para ella. Y ese otro pellizco, como una eterna condena, también nos acompañará toda nuestra vida junto con el de su legado musical.

El cartel de 'Madres paralelas', la nueva película de Pedro Almodóvar

Ahí está, el cartel de la polémica innecesaria. Sería cojonudo exponer opiniones sobre si el cartel cumple su función de anunciador y de atractivo para potenciales espectadores. Juzgarlo bajo la mirada de la moralidad es una discusión que me aburre soberanamente. Si digo que no me gusta, ¿se me meterá en el saco de los ofendiditos retrógrados? ¿No puede ser que no me agrade como vehículo para convencerme de ir a ver una película o preludio gráfico de lo que vamos a ver?

No sé si me explico. Por si acaso, os hablo del tema en un nuevo vídeo 'en corto y de paso' en el canal #UltimoEstreno de Youtube esperando vuestras opiniones.

Estreno del documental de Tornatore sobre Ennio Morricone en el Festival de Venecia

"La música es todo y cualquier sonido que producimos que no está en el cine, es parte de la realidad que vemos (...)

Mahler es el único músico, junto con Stravinsky, que ha influido en mi música para el cine (...)

Siempre animé a Sergio (Leone) en sus películas posteriores a olvidar esa melodía del silbido (...) Él insistió y tuve que cumplir.

Para su tercer western inventé este tema que me recordó la llamada del coyote. Hay drama y comedia y tres diferentes instrumentos asociados a cada uno de los tres personajes: el bueno, el feo y el malo (...)

El director debe tener fe en el compositor (...)

Si me preguntan cuál es la música más importante que he compuesto, que escoja un título, yo jamás contesto (...)

Trato de escribir la música mucho antes de que se haga la película. Tener una idea desde el principio significa que ya está adherida a la película, se adhiere a las imágenes. Hay una conexión como el amor a primera vista (...)

El diálogo no es el único elemento que inspira la banda sonora, sino también todos los demás elementos de la imagen. Una película es lo que vemos o escuchamos, pero la música representa lo no dicho y lo invisible (...)

Hoy soy, en cierto modo, igual que hace muchos años, pero también completamente diferente".

El Festival de Cine de Venecia (1 al 11 de septiembre) anuncia que el documental realizado por el director Giuseppe Tornatore dedicado a Ennio Morricone en 2019 se estrenará fuera de concurso en esos días.

¡¡Tenéis que ver este vídeo del canal #UltimoEstreno en el que analizamos el teaser que anuncia el documental y poneos de tono en el móvil el 'grito del coyote' de Morricone como yo ha he hecho!!

Lo vuelven a hacer

Ayer lo volvieron a hacer. Nada más aparecer los títulos de crédito cuando finalizaba el capítulo 1 de #veranoazul en su reposición, corte y al siguiente programa. Como lo hacen con otras series, con películas. El ente público, faltando el respeto a los planteles técnicos y artísticos de las producciones audiovisuales.

Así que trasladé la queja al Defensor del Espectador. Hoy ya he recibido respuesta por adelantado, que reproduzco en una de las imágenes siguientes. Resulta que los títulos de crédito "no son del gusto de la mayoría de la audiencia".

Me resulta sorprendente que respetar una producción audiovisual hasta el final incluyendo la información artística y técnica se base en criterios "de gusto". Francamente, no creo que sea un asunto a gusto ni del consumidor ni de los responsables televisivos, sino de mutilación de una obra, de supresión de datos a los espectadores y de especial gravedad en un ente que pagamos todos de nuestro bolsillo.

Alucinado es poco al leer semejante burrada como respuesta. Lástima que no tengamos más Federicos Fellinis, que cuando vio que sus películas se emitían en la RAI con publicidad llamó montando un cirio al director de la emisora pública por manipular sus obras y el asunto llegó hasta el Parlamento italiano con tribunales incluidos. Aquí nos importa una mierda la banda sonora de Carmelo Bernaola, quiénes hicieron posible que Verano Azul fuera una realidad y así con todo lo que vemos.

'Tiempo' ('Old'), de M. Night Shyamalan

Es importante que alguien cercano a Shyamalan le diga que sus ideas son casi siempre buenas pero que debe contar con un guionista de garantías que las desarrolle en el papel antes de que el cineasta se dedique a dirigir y a rodar, que es algo con lo que se defiende. La participación de un buen guionista evitaría agujeros imposibles, vacíos temporales y situaciones ridículas que suelen ser, desgraciadamente, marca de la casa de Shyamalan por empeñarse en acaparar y especialmente por creerse heredero de Stephen King.

'Tiempo', que es el título que casi con seguridad se le ha impuesto en España a 'Old' por puro correctismo político, utiliza en realidad la vieja fórmula del grupo heterogéneo sometido a un elemento desconocido que amenaza a sus miembros y los altera, en este caso durante unas vacaciones estivales. Cual Viernes 13 dignificado, cada uno de los personajes va a sufrir una situación inexplicable a conveniencia del director de la película que, como en 'El sexto sentido' o 'El protegido' (su mejor obra), vuelve a tener al público pegado al sillón del cine (se estrena en cines, no en plataformas). Lo peor: el vergonzoso y puritano final al más sonrojante estilo de los americanos, que son muy valientes para sacar las vergüenzas a sus cloacas políticas y muy cobardes para denostar los 'happy end' inadecuados. Aquí además huele a pañal cagado ante las farmacéuticas y los laboratorios, ya convertidos en uno de los poderes más intocables del mundo por razones obvias.

Os dejo la videocrítica de 'Tiempo' ('Old') como novedad en el canal #UltimoEstreno de Youtube. ¡Gracias miles por leer, por verla, por comentar y por enlazar por ahí! 😁

Alan Menken cumple 72 años

Alan Menken cumple hoy 72 años.

Disney tiene bandas sonoras inmortales en un buen puñado de sus clásicos antes de que llegara Menken a la compañía, a finales de los ochenta, y empezara a componer obras que han quedado ya para la historia del cine. 'La sirenita', en 1989, fue la apuesta de la empresa para resurgir o irse a por tabaco, y la banda sonora de Menken desempeñó un papel fundamental en ello, circunstancia refrendada en 1991 cuando se estrenó la estupenda 'La bella y la bestia', en la que el compositor demostró que era aun capaz de dar más a la hora de crear un musical, ampliando registros y construyendo una obra que era evidente se trasladaría a otros formatos, como el teatro, ante su grandeza.

Después vendrían 'Aladdin', 'Pocahontas', 'Hércules' y la 'gran' banda sonora de Menken: 'El jorobado de Notre Dame'. Se trata de una película adulta, poco apreciada por el público mayoritario, de connotaciones sexuales explícitas: la secuencia del ruego de Frollo a la Virgen María para que le aparte los pensamientos lascivos hacia Esmeralda es tenebrosa, perturbadora, imponente y musicalmente lapidaria; en otra, el baile de la zíngara supera con creces la sinuosidad de Jasmine en 'Aladdin' y embrutece el concepto melifluo de la Blancanieves original... Y así podríamos seguir ante la gran cantidad de atractivos de un filme que solo tiene como merma el abuso del ordenador, demasiado descarado en ocasiones.

Pero yo hablaba de Menken, del que me quedo con esta obra maestra que es 'El jorobado de Notre Dame'. Otra vez el estilo coral de 'La bella y la bestia' cuando surge ('Topsy Turvy'), un impresionante prólogo con el gregoriano y la acción como protagonistas o el extraordinario 'Out There', con un in crescendo narrativo impecable que se inicia con un Quasimodo humillado en su merma para avanzar en las ilusiones del protagonista sobre lo existente fuera de su campanario y acompañarlo musicalmente en su recorrido por los exteriores con la plenitud de una orquesta pletórica.

Lástima de premios de postín, casi siempre tan injustos. Sí es cierto que los Oscar, con Menken, han sido prolíficos, obteniendo ocho estatuillas en su carrera, solo superado por Alfred Newman, pero justamente en 1996 no fue de recibo que 'El jorobado de Notre Dame' se quedara solo en la nominación. Porque si hay que reivindicar la película en su totalidad, no se puede quedar atrás el análisis de la banda sonora no solo de las canciones que a muchos nos sonarán, sino también la partitura que encumbra las imágenes de una película que fue, realmente, la que cerró una etapa del resurgimiento de Disney (1989-1996) que dio paso a otro modelo de animación en la compañía que es el actualmente vigente.

Falderos y el día que nos dejó un maestro

Hay ámbitos en los que ver a la gente doblar la cerviz para babosear con sus comentarios, los 'me gusta' y esas cosas no es que te indigne. Más bien provoca risa por lo ridículo. Eso sucede mucho, por ejemplo, en la política actual, donde los falderos corren a escribir en las redes sociales para pelotear al gurú de turno. Es divertido, pero sobre todo placentero si compruebas que esa gente triste no está en tu nómina de 'amigos' de facebook porque muchos de ellos los eliminaste para desintoxicarte de la mierda.

Aparte de este comentario sin la mayor trascendencia, lo importante de hoy es que hace 17 años falleció uno de los más grandes compositores del siglo XX y alguien que, como pocos, transformó la música cinematográfica en un discurso narrativo de primer orden lejos de aderezar imágenes con notas musicales como complemento secundario. El 21 de julio de 2004 nos dejaba el gran Jerry Goldsmith, que solo ganó el Oscar por 'La profecía'. Una de sus obras maestras es 'Acorralado', como os conté en un videorreportaje en el canal #UltimoEstreno hace ya tiempo, cuyo enlace os dejo a continuación por si queréis repasarlo o verlo por vez primera:

https://youtu.be/TKATA_g8hrU